791 Blog

Depredadores

2010-08-20T08:15:00.003-03:00

El budismo profesa una cierta clase de conocimiento intuitivo, contrario al conocimiento racional. Sostiene que la paz interior, objetivo último de nuestra vida, no se debe buscar a través de la acumulación de conocimiento sino de un tipo de percepción que puede ser incluso inmediata. Quien tiene la suerte de vivir ese instante de claridad, vislumbra el sentido de todo, o tal vez entiende que nada lo tiene.

La Doctrina Pérez, una de las tantas variantes del budismo original, defiende la autonomía de la crítica cinematográfica por sobre la propia película. Según el Maestro de Luz Pérez, la película es solo un residuo material que no debe contaminar la inspiración intuitiva, casi divina, de la crítica.

En honor a esa doctrina de salvación, decidí escribir sobre Depredadores, que nunca vi. Como soy novato en esto, no pude hacer completa abstracción del residuo material de la propia película, como recomienda el Patriarca, sino que miré el afiche para buscar alguna inspiración.

Depredadores es una película de Nimród Antal, joven director de películas menores con un cierto espíritu indie que sedujeron a Robert Rodriguez, productor de Depredadores, y lo convencieron de la capacidad del director en llevar adelante el tono intenso aunque levemente cínico de este remake de remake.

La primer Gran Idea del guión consiste en un truco especular: desplazar a otro planeta al grupo de duros y aguerridos combatientes que en la primera película secundaban al actual gobernador de California en la búsqueda del depredador original y terminaban transformados en keppe crudo. La segunda Gran Idea del guión consiste a reemplazar al actual gobernador de California por Adrien Brody, poco conocido hasta ahora por sus dotes de bodybuilder. Brody contrató a un famoso especialista en pectorales y convivió durante seis meses junto a un grupo de depredadores reales en un planeta lejano, para ¨encontrar la psicología de mi personaje¨, según lo que le señaló a Chiquita Legrand en uno de sus clásicos almuerzos. En esa oportunidad además de aclarar que aceptó el desafío porque el guión lo había realmente impactado, desmintió que el arma que lleva en el afiche haya sido adquirida en la juguetería Cebra, de Lacroze y Forest.

Los diálogos son filosos y hay varias perlas que quedarán en el recuerdo, aunque no recuerdo ninguna en este momento. La incorporación de una mujer en el equipo aporta intercambios potentes entre los personajes e incluso situaciones inesperadas como cuando uno de los más duros es salvado por la chica en cuestión, o al revés. Los efectos especiales son impresionantes y las escenas de acción, en medio de una selva de un planeta lejano bastante parecida a la del primer Depredador que ocurría en centroamerica, son trepidantes. Tal vez para Hollywood, centroamérica sea otro plantea.

El productor Rodriguez encuentra el tono justo, entre Sábados de Superacción y videojuego, espolvoreado con guiños astutos al espectador.

Es, creo, una película para toda la familia.

El Origen

2010-08-18T11:38:00.005-03:00

La última película de Christopher Nolan, el director de Memento y de la excelente The Dark Knight, es una cruza entre La invención de Morel y Bourne.

El protagonista, interpretado por un intenso Leonardo Di Caprio, es un arquitecto experto en sueños. Domina el extraño arte de la creación de realidades paralelas y puede incluso inocular en sus víctimas ideas que pueden llegar a destruirlas (algo que en el fondo no difiere mucho de lo que hace la mayoría de sus colegas arquitectos).

La trama es atractiva aunque el miedo a que alguien no logre entender el argumento en toda su complejidad parece empujar a los personajes a explicar en exceso cada una de sus acciones. Es una lástima ya que, cuando de sueños se trata, no es necesario (ni siquiera aconsejable) entender todo lo que está sucediendo.

Como en Memento, Nolan parece caer en la fascinación de relojería de su propia trama y dejar de lado la historia y sus personajes. Las escenas de acción, a la par de cualquier Bourne, no ayudan a encontrar esa humanidad que falta sino que, creo, son solo agotadoras.

La aparición del gran Michael Caine y un buen final no logran salvar una película lamentablemente fallida.

PS: Con respecto a la imagen que desborda, juro que seguí las indicaciones del amigo Galois pero esta vez la tecnología no me sonrió.

Nanni

2010-08-12T00:00:00.002-03:00

Anoche un amigo comentó que acababa de ver en Italia el último estreno de Nanni Moretti.

La noticia me generó una inmediata felicidad, que conservé aún después de averiguar que era un error. Su próxima película no estará terminada antes del 2011.

La felicidad es demasiado importante como para dejar que la realidad la perturbe. Y si no, siempre tendremos a la Mangano.

Por tu culpa

2010-08-10T01:26:00.004-03:00

En una de las primeras escenas de Un día muy particular, de Ettore Scola, director que solía hacer películas buenas, Sofía Loren prepara el desayuno antes que su familia vaya al alegre encuentro entre Mussolini y el Fuhrer. Sola en el departamento, hastiada, se sienta en la mesa y metódicamente llena una taza con los restos de café de las otras. Y se lo toma.

Recordé ese gesto perfecto al ver Por tu culpa, la última película de Anahí Berneri. En una de las primeras escenas, Julieta, una joven recién separada y con dos hijos, intenta terminar un trabajo urgente. Es tarde y los chicos juegan, exigen, se pelean, miran la tele. Después de decirles que no, que ya comieron demasiados, la madre les da otro yogur más. Cada vez que abre un nuevo pote, pasa la lengua por la tapa. Come ese yogur que no quiere, como la Loren tomaba el café de otro. Las dos colapsan, aunque no parecen saberlo, y lo muestran con un gesto mínimo.

El golpe aparentemente sin importancia de uno de los chicos hace que los tres terminen pasando la noche en la guardia. Berneri y Erica Rivas, que interpreta a Julieta, no buscan resaltar esa vida en la que ella ya no hace pie, solo filmarla. El resultado es un trhiller doméstico, en el que esperamos lo peor detrás de cada gesto banal y en el que no sabemos si compadecer a la madre o acusarla, como hacen todos los hombres que la rodean.

Es en esa tensión que la película encuentra el tono justo.

Las Hierbas Salvajes

2010-07-27T13:58:00.008-03:00

Para castigarme por haberle aconsejado una obra de teatro, actividad que le está reservada, perez sostuvo que si bien la obra lo había divertido, no le había gustado. Que se trataba de una sucesión de escenas graciosas a las que le faltaba un nudo potente. Para no contradecirlo, lo que suele generarle primero acidez estomacal y luego violencia doméstica, le dije que tenía razón. Pero estoy convencido de que esa obra tiene el condimento sin el cual las otras virtudes se disuelven como el electorado de Elisa Carrió, es decir rápidamente. Ese condimento es la gracia.

Alain Resnais es justamente un virtuoso de la gracia. Sus películas nos pueden gustar más o menos, podemos padecer o gozar de sus artificios pero difícilmente podamos negarle aquel talento. En Las Hierbas Salvajes el director de 88 años elige la liviandad de la gracia, lo que le permite filmar lo inverosímil con total libertad y sin atarse a ningún canon predeterminado. No sabemos si lo que ocurre, ocurre realmente o si son fantasías de los personajes. Hay elementos que faltan en el rompecabezas, un pasado violento que no llegamos a comprender, diálogos que no percibimos.

Como escribe el amigo Monteagudo: La cámara de Resnais, cada vez más libre, hace un poco lo mismo (que las hierbas salvajes). Va y viene con una fluidez asombrosa y en alguna ocasión incluso parece cobrar vida propia y se libera del yugo de tener que someterse a los dictados de la narración. Hay una escena en la que, como si se aburriera de las disquisiciones de sus personajes, la cámara los abandona discretamente, como quien deja un cuarto en puntas de pie y va a buscar su propio campo de interés, vagando por la sala y registrando detalles que hacen a la vida cotidiana de esa gente, pero que son mucho más divertidos o reveladores que ese parloteo insustancial que se sigue desarrollando, ahora lejano, en el comedor.

Es cierto también que el desprejuicio y la libertad pueden tener su costo, como los insultos furiosos que escuché a la salida del cine. Pero eso es otra historia.

Nadie es perfecto

2010-07-15T11:20:00.003-03:00

Matrimonio gay, igualitario o satánico: El gran Billy Wilder también votó a favor.

Donde Viven los Monstruos

2010-07-12T11:17:00.003-03:00

De chico una vez le pregunté a mi padre si la edición de los Cuentos de la Selva que yo estaba leyendo era para chicos o si en realidad se trataba de un libro escrito para los chicos por el propio autor. Mi padre desvió un instante la vista de su libro, me dijo ¨compralo¨, y siguió leyendo. No me quedó claro qué era lo que debía comprar, si al propio Quiroga o alguna nueva edición de los Cuentos, pero comprendí que el mundo infantil suele ser una lengua extranjera para los adultos.

Esa ignorancia o mejor dicho ese olvido, transforma muchos libros para chicos en manuales de buenas intenciones, más preocupados por educar al lector que por hacerlo gozar.

No es el caso por suerte de Where The Wild Things Are, obra maestra de los cuentos infantiles que el extraño Maurice Sendak escribió e ilustró en 1963, cuando los padres de perez aún no habían nacido.

Spike Jonze, el también extraño director de Being John Malkovich, transformó ese cuento minúsculo y perfecto en una película brillante.

Como en los films de Pixar, el paso del tiempo es el tema central de la obra y como la troupe del gran Lasseter, la banda de Jonze el dilettante parece sentirlo tanto como el pequeño Max, personaje principal del cuento-película.

La melancolía desborda en cada plano y en cada diálogo ayudada por una excelente banda sonora y por la maternal Catherine Keener, la madonna del cine más o menos indie norteamericano.

Por supuesto, una gran película merece una gran salida. Por eso Donde Viven los Monstruos salió directo a video.

No dejen de alquilarla.

Nota: Gracias a la ayuda del amigo Galois pude disciplinar a youtube y lograr que la imagen no desborde por los lados. Solo me falta colocar un enchufe en casa para sentirme digno de Mecánica Popular.

Toy Story 3

2010-06-23T10:52:00.006-03:00

Los fanáticos de El Padrino , es decir la humanidad entera, padecemos una especie de temor irracional hacia las terceras películas de una saga. En todo momento esperamos que Andy Garcia aparezca y con un solo gesto logre evaporar tantos años de placer, recuerdos y frases célebres, de esas que le dan sentido a toda una vida.

John Lasseter el Grande, sin duda otro fanático de El Padrino, tomó todas las precauciones para que esa calamidad no ocurra, empezando por no contratar al intenso actor cubano. Siguió con la escritura de un excelente guión junto a sus amigos de siempre, tomándose el tiempo que fuera necesario para hacerlo y concluyó dándole las riendas al primerizo Lee Unkrich.

El resultado es brillante. Los personajes, los viejos y los nuevos, están bien escritos y la técnica es sorprendente, pero por sobre todo resalta la historia. No existe en Toy Story 3, como en ningúna película de Pixar, la tentación del cinismo. Sus autores creen sinceramente en lo que escriben y por ello no se ven forzados a desligarse de lo que cuentan haciéndonos guiños cómplices fuera de cámara, como los que tanto éxito han dado a Shrek o Madagascar.

Como siempre en la saga, el motor del relato es el paso del tiempo. Los jueguetes tienen que lidiar con sus eventuales reemplazantes o, como en la tercera parte, con una desolada jubilación forzada a una guardería infantil. La melancolía lasseteriana lo invade todo aunque esta vez se mezcla con una componente oscura, un terror gótico como señala el amigo Bernades, que tiene su momento cumbre en una terrible escena en un gigantezco triturador de basura. Como Hitchcock con unos cuantos pájaros, Unkrich logra generar terror en los espectadores con un osito de peluche.

Pixar ya no se conforma con dominar el cine de animación. Busca dominar el cine.

PD: A no llegar tarde, el corto Día y Noche es una obrita maestra.

Los Amantes

2010-06-14T11:55:00.003-03:00

La necesidad de un circuito de cine de autor, como los que existen en otras partes del mundo, se enuncia constantemente desde que yo tengo memoria. Hace unos años, sobre las ruinas del cine Savoy, en Belgrano, nació el cine Arteplex. La buena repercusión (suponemos) de este emprendimiento propició la creación del Arteplex Caballito (en este caso sólo un cambio de nombre al Cineduplex Caballito), y del Arteplex Centro (sobre un ex-cine porno, donde a su vez había funcionado antes el Cine Arte). El éxito de este emprendimiento (suponemos), o la necesidad de un circuito todavía insatisfecha propició el nacimiento del Arte Cinema, salas flamantes instaladas en el inesperado barrio de Constitución.

Hace pocas semanas ésta última se convirtió en Espacio INCAA. Esto, que para muchas salas de nuestro país (cineclubes, muchas veces) es una bendición, fué para el Arte Cinema (suponemos) una derrota. La programación, pretendida estrella del espacio, va a estar a partir de ahora en manos del Instituto de Cine. La idea de traer lo mejor del cine de autor argentino, pero también latinoamericano y del resto del mundo no terminó de concretarse nunca. El público, posiblemente ahuyentado por la distancia y la (supuesta) peligrosidad del barrio, no se apropió nunca de este sueño.

Pero los Arteplex siguen funcionando. ¿Cómo? Auspiciantes. ¿Cuáles? Los anunciantes que generalmente encontramos en los programas de las salas independientes (cotillones, casas de computación o empanadas, etc...) no podrían (suponemos) permitirse una erogación tal que pudiese apoyar demasiado al mantenimiento de la sala. El Main Sponsor no viene, tampoco, de ninguna empresa relacionada con lo cinematográfico ni lo artístico, sino de un local de productos eróticos: Kisme (¿de Kiss me? Quizás). Esto, sumado al ex-cine triple equis del Arteplex Centro y la zona roja del Arte Cinema, nos lleva a preguntarnos si no habrá algún vínculo secreto entre Bergman y las protesis peneanas, Kiarstami y los perfumes afrodisíacos o Haneke y la lencería erótica.

Creo que los fanáticos de siempre deberían dedicarle un poco de seso a esta intriga antes de que, inevitablemente, acusen al Arteplex de atentar contra las buenas costumbres de la publicidad en cines, el buen gusto en el diseño gráfico o lo que sea . Cualquier apoyo (incluso el de Kisme) al cine de autor (incluso en DVD proyectado) es bienvenido.

Se escuchan ofertas.

Remakes fallidos

2010-06-04T12:45:00.010-03:00

Como Bruce Willis, como los finales felices o la autorreferencia, el remake fallido es una obsesión hollywoodense.

Algunos ejemplos son extraídos de su propia producción, como el calamitoso El Chacal, en el que Bruce hacía nuevamente de Willis, que agigantaba el recuerdo del original El día del Chacal de Fred Zinnemann, o como la involuntariamente cómica versión de El Planeta de los Simios de Tim Burton. Otros son inspirados por películas extranjeras como las comedias livianas de Pierre Richard, la maltratada Nueve Reinas o la magnífica Garde à vue de Claude Miller, demolida meticulosamente por un ignoto Stephen Hopkins y su increiblemente mala Bajo Sospecha, con un Morgan Freeman que nunca llegó a entender que hacía ahí.

Pensé en un nuevo remake fallido cuando padecí Cosas que Perdimos en el Fuego de Susanne Bier, una especie de nada envuelta en papel glacé. Una película hecha de subrayados y buenas intenciones, de emociones hondas e historias irrelevantes a la que el amigo Benicio Del Toro no lograba salvar del naufragio, pero que recordaba en algún punto la muy buena Hermanos de la misma directora cuando aún era dinamarquesa.

Las dos películas hablan de un suceso inesperado, aleatorio, de esos que fascinan a Bier, que destruye el feliz equilibrio de una pareja. Muere un marido, aparece un hermano del marido (o el mejor amigo) y la mujer reconstruye aquel equilibrio a partir de algo completamente opuesto a lo que tenía. Salvo que Hermanos encontraba el tono justo y la otra todavía lo sigue buscando.

Lo extraño es que, justamente, no es un remake. Es una historia original, escrita por un guionista mucho antes de que el productor le pidiera a Susanne Bier que la dirijiera, según lo que informa IMDB.

Eso nos lleva a pensar que los remakes fallidos se han independizado de sus obras originales. Lo que presenta la indudable ventaja de impedir cualquier tipo de comparación.

Bruno Del Monte

2010-05-18T12:23:00.006-03:00

Quizás alentados por la descollante performance comercial de "Flandres", los colegas de CDI Films se nos adelantaron y compraron los derechos de "Hadewijch", la última y maravillosa película de Bruno Dumont.

El titulo de la película aparentemente hace referencia a una religiosa del siglo 13, también conocida como Hadewijch de Antwerp, una provincia belga de la región de...Flanders (o Flandres). Googleo a Hadjewich y llego a una página encabezada por una cita de la poeta y mística que dice más o menos así "Me encuentre vagando en el campo o encerrada en prisión --- Como sea, será obra del amor".

El personaje y la cita tienen una gran relación con el contenido de la película. Sin embargo, en nuestro país, para su estreno del jueves 27, la película se va a llamar "Entre la Fe y la Pasión". La adaptación, como suele pasar con muchas de las decisiones de difusión de los distribuidores, esconde una trampa: sugiere que la película de Dumont es apasionada y que la protagonista se debate entre su amor por Dios y otro menos platónico, dándole a la película ribetes de culebrón que, como advertirá el publico especializado en novelas y el especializado en cine, "Hadewijch" no tiene. Las trampas como ésta (los insólitos cambios de títulos son su versión más obvia, aunque hay muchas otras) dan una mezcla de gracia y pena, y pueden o no cumplir el objetivo de convocar más público (personalmente imagino que un público engañado no recomienda una película, y que hacer pasar una película por otra finalmente debería ahuyentar a los públicos de las dos). Lo que es seguro es que, como cuando se llena un afiche de premios o cuasi premios, cuando se promociona la película con una celebridad que en 90 minutos aparece sólo 30 segundos, o en general cuando se elige incluir en un trailer escenas de algún voltaje erótico, este tipo de decisiones no hace más que darle la razón a Perez cuando sostiene que "los distribuidores no ven cine", y hace pensar también que el responsable de esta traducción tramposa no tiene ni Fe ni Pasion por su película y que, sea como sea, la taquilla de Hadewijch no será obra del amor.

Carancho

2010-05-14T15:56:00.003-03:00

Carancho es una gran película. Trapero se mide con la mejor tradición del cine negro, sin acobardarse y saliendo a pegar desde la primer imagen. El resultado es una especie de Casta de Malditos revisitada por Crónica TV. Como el film de Kubrick, Carancho es una obra obsesiva, negra, en donde los personajes parecen condenados de antemano por más que, como ellos, querramos que esta vez, solo esta vez, los planetas se alineen.

Todo ocurre en los bordes, en las orillas de la sociedad. El conurbano, los hospitales colapsados, los departamentos grises, los autos viejos, los rebusques miserables, la corrupción de medio pelo. Pero no hay miserabilismo en la mirada del director, ni siquiera ese costumbrismo tan común en el cine nacional. Los personajes de Trapero (muy buena interpretación de Darín y excelente de Martina Gusmán) no parecen tener tiempo para generar empatía o compasión en el espectador. Solo buscan, como los héroes de Jim Thompson, un lugar al sol.

La escena final, como la de Casta de Malditos, es antológica.

Nota: Ni idea de por qué la imagen sale del cuadro. Creo haber seguido los consejos del amigo Winston Smith, pero solo logré empeorar la cosa.

Las Playas de Agnès

2010-05-12T11:45:00.006-03:00

Durante muchos años creí que me sería dado alcanzar una buena página mediante variaciones y novedades; ahora, cumplidos los setenta, creo haber encontrado mi voz.
(J.L. Borges / Prólogo a El informe de Brodie)

Como señala el amigo Monteagudo, es difícil encontrar en el cine ejemplos de autorretratos. Lo que parece fácil para un pintor o un fotógrafo suele ser una una tarea titánica para un director.

Agnès Varda, al final de su vida, lo logra con aparente facilidad e infinito encanto. En un relato que mezcla su vida y su obra, sus recuerdos imaginarios y de los otros, la directora encuentra el tono justo. Viendo Las Playas de Agnès, pensé que tal vez fuera justamente la avanzada edad de la directora, además de su talento, lo que le otorga la libertad que la hace tan placentera. Pero luego recordé Tarnation, la primera película de un atormentado y joven director y me quedé sin argumentos.

Tal vez los extremos de una carrera sean propicios para el encanto, aunque por razones diferentes, como prueba la carrera que otro viejo sabio como John Huston inició a los 35 años con el clásico El halcón maltés y terminó con la espléndida Los Muertos , a los 80.

Like You Know It All

2010-05-10T10:47:00.007-03:00

El gran Hong Sang-soo, director de la excelente La Femme est l´Avenir de l´Homme, es uno de los representantes de la famosa licuadora coreana, en donde se destaca como su componente más afrancesada. En la mirada cinéfila de Hong Sang-soo, que pasa con maestría del humor a la tristeza, hay referencias a los “Cuentos morales” de Eric Rohmer, al cine más ligero de Jacques Rivette o incluso al Truffaut más autoreferencial como el de La Nuit Américaine.

Like You Know It All, presentada en el último BAFICI describe la visita de un conocido aunque ya decadente director a un festival de cine de segunda. La visión desangelada de ese director, un indolente más o menos amoral preso de sus propias debilidades y miserias que abusa tanto de sus amigos como de quienes parecen interesarse aún por su obra, logra sin embargo el milagro de generar en nosotros la más plena empatía.

Aclaración: Sigo sin saber por qué la imagen de youtube desborda hacia la derecha del margen, pero temo consultarlo con nuestros asesores en sistemas. Las consultas de asesores suelen generar otras consultas con otros asesores que a partir de cierto momento desarrollan una completa autonomía sobre la demanda inicial que les permite generar respuestas creativas a problemas nunca planteados a la vez que condenan al olvido las modestas dudas iniciales. Por eso, preferimos la prudencia.

De Austria con crueldad

2010-05-03T16:53:00.007-03:00

No sabemos cómo, pero el amigo Z se las ingenió para hacerse con la última Palma de Oro, y gracias a su atrevimiento se estrenó en nuestro país, con 15 copias, "La Cinta Blanca".

Revisando en nuestro archivo, 791cine estrenó solamente dos películas de directores austríacos: "Esto ya pasó", de Anja Salomonowicz, y "Dias de Perro" de Ulrich Seidl. Cuando compramos la de Seidl, la compañía vendedora creyó descubrir un insólito filón y nos mandó el resto de las películas de Ulrich, muchas de las cuales vimos, convirtiéndose inmediatamente en mi director austríaco de cabecera. Esto no se repitió con Anja Salomonowicz, quizás porque "Esto ya pasó" es su primera y única película. Como sea, en ambos casos hay una familiaridad con "La cinta blanca", que quizás sea la marca distintiva del cine austríaco, como los helicópteros en el cine de Hollywood, o la incomprensión en el cine francés.

En este caso, Haneke muda su crueldad a un pueblo en Alemania, lo que no disminuye su carácter austríaco. Son dos horas y media donde una serie de personajes son sometidos a innumerables desgracias, para colmo de males en blanco y negro. De alguna manera, Haneke logra esquivar las balas y le suma a la historia de constantes padecimientos algo que lo diferencia de sus primos hermanos los Coen, autores levemente austríacos. No sé qué es ese algo, pero me lleva a pensar que la constante tortura a niños e inocentes quizás, en el caso de Haneke, sirva a buenos propósitos.

Previsiblemente, la película contó con el apoyo incondicional de gran parte de la crítica local, que la calificó de Excelente, y tuvo gracias al talento de Z, una salida que, por una vez, realmente fué digna de la gastada frase "en las mejores salas". El desempeño comercial de la película, en tiempos de tanta dificultad para el cine de autor en salas como el que corre, fué y sigue siendo notable. El público, en la función que me tocó estar, quedó desconcertado por el final, del que casi todos los espectadores esperaban una respuesta al misterio con que la película los fue llevando a través no solo de los sufrimientos de los protagonistas, si no también de los del mismo público. Como es costumbre en estos casos, las señoras salían entre indignadas y desorientadas por la película que, al día siguiente, sin dudas le recomendarían a todas sus amigas.

Yuki & Nina

2010-04-23T14:18:00.003-03:00

Dolido por el éxito creciente de mis posteos y la evaporación inocultable de sus lectores, perez bloqueó el acceso a nuestra página a través de blogger. Es así, prefiere quedar mudo a que otros podamos hablar. Consultamos con nuestro asesor técnico y este con un asesor del asesor y finalmente, a través de una larga cadena de asesores de asesores, volvimos a la normalidad o al menos a una normalidad albanesa que no nos permite subir imágenes.

Yuki & Nina, obra conjunta de Nobuhiro Suwa, el director de la extraordinaria Una Pareja Perfecta, y el actor francés Hippolyte Girardot, que habíamos visto en la muy buena Lady Chatterley, es sin duda una de las perlas del BAFICI.

Los directores logran encontrar el tono justo en una historia de amistad entre dos nenas que se rebelan contra la separación de los padres de una de ellas que las condena a no verse más. Las dos minúsculas actrices brillan, acompañadas por adultos que intentan mejorar algo las cosas y solo logran empeorarlas a cada paso (la conversación entre los padres de Yuki durante la cena familiar, en donde hablan de la mudanza inminente desde planetas localizados en galaxias opuestas, es antológica. Parecieran decir que lo extraño no es que las parejas se separen, sino que puedan seguir juntas).

A medida que la película avanza pareciera que una especie de cuento infantil se mete en la historia, lo que me hizo recordar el lenguaje onírico de La Noche del Cazador.

Nos dicen que el amigo Z luego de apreciar el éxito desmesurado que conocimos con una Una Pareja Perfecta, decidió convencer a Nobuhiro de que vaya con él, al menos esta vez.

No Hard Feelings, como decía Danny Ocean.

Se ha cambiado la ubicación de este blog

2010-04-20T09:02:00.001-03:00

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Eighteen

2010-04-16T12:10:00.002-03:00

Tenía veinte años. No dejaré que nadie diga que es la edad más bella de la vida. Paul Nizan (Aden Arabie)

Tengo una pesadilla recurrente: sueño que paso un examen. O mejor dicho, que vuelvo a pasar un examen, con la terrible diferencia de que ya soy adulto y mis compañeros siguen siendo adolescentes. La angustia es siempre la misma, no estudié, no preparé nada y me pregunto por qué no lo hice. Siento una mezcla de rabia e impotencia circular de la que no logro despegarme, quiero y no puedo.

En Eighteen, su primera película presentada en el BAFICI, el director coreano Jang Kun-jae logra sintetizar esa rabia e impotencia adolescente y encuentra el tono justo, que mezcla melodrama con cierto humor desangelado. El protagonista, luego de conocer el paraiso terrenal de un fin de semana de escapada con su novia, padece el castigo de los padres y el alejamiento de ella. Como en mi sueño, nada de lo que hace logra mejorar su situación sino que por el contrario, la empeora. La supuesta solución a un problema se transforma en el próximo y agobiante dilema. El fin de semana vuelve en su recuerdo como la única salida posible a su laberinto.

Seguimos agradecidos a la famosa licuadora coreana.

Secuestro y muerte

2010-04-08T11:44:00.010-03:00

No importan los nombres. Lo que importa es el impulso que convierte a un secuestro en un largo diálogo donde el condenado a muerte y sus jueces ensayan dos versiones de una historia.(Beatriz Sarlo)

Secuestro y muerte de Rafael Filipelli, que inauguró el BAFICI anoche, es una película extraña.

Creo que al principio esa extrañeza se debe a la voluntad del director, y de sus guionistas Beatriz Sarlo y Mariano Llinás, de novelar la historia, creando una especie de doble ficción. Los nombres no corresponden, el bigote de Aramburu tampoco, no se habla de Perón, ni siquiera de esa mujer. El recurso funciona ya que elimina la tendencia al tedioso control de calidad de toda obra inspirada en hechos históricos (nadie va a poder refutar que Arrostito tuviera un campo ya que justamente no es Arrostito) y permite que la película se concentre en lo que parece ser lo esencial para Filipelli, la exposición de ideas entre Aramburu y sus secuestradores.

Filipelli no subestima al espectador, no considera que se deba guiar su mirada con textos resaltados o bajadas de línea, esas calamidades casi obligadas del cine político. Eso si, parece buscar otro tipo de doble ficción: los jóvenes secuestradores, militantes políticos inflamados, no parecen estar viviendo un secuestro y preparando la inevitable muerte, sino más bien, como me dijo una amiga a la salida, estar representándola. Esa representación se siente tanto en los diálogos entre ellos, voluntariamente banales y desprovistos de carga política, como en los interrogatorios y proclamas realizados frente al secuestrado.

Algo hay en ese grupo que se mueve dentro de una derruída casa de campo que recuerda a los jóvenes conspiradores que leían a Sarmiento en Todos mienten, del amigo Matias Piñeiro (director que figura en los agradecimientos de Filipelli).

Pero las conspiraciones e intrigas amorosas de Piñero encontraban el tono que parece faltarle a Secuestro y muerte.

Recomiendo el corto institucional que el amigo Gastón Süden Solnicki realizó para el BAFICI. Lamentablemente no lo encontré en la página del festival, pero si alguien consigue el link participa automáticamente en el concurso 791 electrodomésticos patrocinado por Gath & Chaves, con un montón de premios seleccionados por pérez.

Comprar un DVD

2010-04-05T16:05:00.004-03:00

Creo que así como solo un sádico pudo diseñar el sistema de apertura de las porciones de queso Adler, esas que generan una inevitable furia en el desprevenido consumidor, solo otro sádico pudo haber imaginado la presentación de los DVD en las grandes librerías o disquerías.

La oferta de DVD a la venta sufre de dos patologías sucesivas: por un lado la pobreza albanesa de su presentación que expulsa a quien, como yo, intenta cada tanto comprar alguna novedad, y por el otro, aún más grave, el sistema de clasificación que responde a parámetros talmúdicos, incomprensibles no solo para el público en general sino también para quienes sufren la extraña maldición de trabajar ahí.

A diferencia de sus colegas de la sección ¨libros¨ que al menos sospechan que Rayuela de Cortázar no fue escrita por Jorge Bucay, los vendedores socráticos de la sección ¨películas¨ solo saben que nada saben. Ni siquiera logran ser una módica interfase entre el cliente y la computadora ya que suelen equivocarse en la ortografía de los nombres y luego de declarar que ¨no, esa no la tenemos¨ proponen algo que les suena parecido (una vez pregunté por El fantasma y la señora Muir de Mankiewicz y el vendedor me propuso Cazafantasmas de Reitman).

Pero es en la sección ¨cine nacional¨ que la clasificación absurda logra desarrollar todo su potencial. Como el ejemplo de la foto, donde el excelente Biondi se codea con Narcizo Ibáñez Menta y Luca Vive con El profesor patagónico de Luis Sandrini y la lamentable Super Agentes y Titanes.

Es en esos momentos en los que me pregunto por que no fui a Miles.

El imaginario mundo del Dr. Parnassus

2010-03-11T16:28:00.004-03:00

Arresting Officer: This is your receipt for your husband... and this is my receipt for your receipt.

Brazil (1985)

El cine de Terry Gilliam es desmesurado. Desde su colaboración con los infinitos Monty Python hasta sus trabajos en solitario, la primera y única Ley Gilliana parece ser que solo la imaginación puede salvar al mundo o al menos darle un sentido. Como señala el amigo perez es posible que el tiempo haya modificado ese principio en algo más desesperanzador como que lo único que importa en el mundos es la imaginación, más allá de que pueda salvarnos o siquiera dar algún sentido a todo esto. Es justamente lo explícito de esa obsesión (que acerca a Gilliam a la parida cinematográfica argentina) lo que termina por enturbiar su extraordinario cine.

En El Imaginario... hay otros temas recurrentes como la realidad ilusoria, la sabiduría refugiada en los márgenes de la sociedad (el doctor Parnassus es una variante del linyera sabio de The Fisher King, aunque por suerte no lo intrepreta el bobo amistoso Robin Williams sino el gran Cristopher Plummer) o la humanidad idiotizada (la sociedad reflejada en El Imaginario... parece ser tan hueca como la de la monumental Brazil).

El final feliz de la hija del Dr. Parnassus, que logra escapar a la locura viviendo finalmente una tan soñada vida normal de esas que Gilliam tanto desprecia, es algo extraño. Pero la verdad es que si no lo fuera no estaríamos viendo una de Gilliam.

Y ver una de Gilliam hace que nuestra vida sea mejor.

A ver con urgencia (además o incluso antes que El Imaginario...):

Time Bandits (1981) : Es un ensayo de lo que vendrá. Un resumen Lerú Gilliano.
Brazil (1985): Es el Tao Te King Gilliano. Todo está ahi y más. Imprescindible.
Las aventuras del Barón Munchausen (1989). Un clásico desmesurado y algo fallido.

El Dude

2010-03-10T11:37:00.006-03:00

The Dude: "That's a great plan, Walter. That's fuckin' ingenious, if I understand it correctly. It's a Swiss fuckin' watch."

Todavía bajo emoción violenta por no haber recibido Miguel Angel Solá ese oscar que tanto esperábamos (aunque debemos reconocer la realidad innegable de que Solá no fue nominado), saludamos la justa recompensa al amigo Bridges, levantando un white russian en honor al gran Dude.

Llameyá: El escasísimo tiempo de palabra asignado a cada ganador no permitió que Jeff pudiera difundir como previsto el acuerdo que amablemente suscribió con 791: Por cada compra o alquiler de una película de nuestro catálogo, mencionando este post, aportando un alimento no perecedero y abonando el precio del DVD, se hará entrega del DVD de El gran Lebowski, imperdible maravilla marihuano-cinematográfica. Promoción válida hasta terminar el stock.

Tránsito lento

2010-03-05T16:38:00.002-03:00

Consultado sobre las posibilidades de la polémica "El Secreto de tus Ojos" en la próxima entrega de los premios de la Academia, Ricardo Darín (que curiosamente comparte con Pérez el saludable hábito de hablar de películas que nunca vió ni verá)opinó que "le tengo mucha más fe a la película de la que tenía hace 10 días. Son películas muy buenas las que compiten pero son pesadas, de trámite lento. Nuestra película cuenta un drama pero lo hace con dinamismo", analizó, sumandose a las declaraciones de su co-equiper Guillermo Francella en contra de los bodrios.

Lamentablemente para el amigo Z, entonces, a no ser que se haga de un buen fermento para dinamizar la constipación cinematográfica de "La Cinta Blanca" (algo así como el alfajor de maizena de las películas, según Darín), o que nuestros dos especialistas fallen, el bueno de Haneke morderá el polvo el próximo domingo...

Entomología paisana

2010-02-26T10:32:00.009-03:00

Sabed ahora que Dios me ha derribado,
Y me ha envuelto en su red.
(Job 19:6)

Un hombre serio, el último y extraño film de los hermanos Coen (aunque decir que un film de los hermanos Coen es extraño, es un pleonasmo) retrata su propia adolescencia en Minnesota. El recuerdo por supuesto no tiene mucho de autobiográfico, como irónicamente lo aclaran los dos hermanos (¨Fargo también transcurría en Minnesota y puedo asegurar que en los alrededores de casa nunca vimos a nadie triturando a algún vecino dentro de una mezcladora de cemento¨), sino que continúa desarrollando el Manual de Entomología Humana iniciado con la maravillosa Simplemente Sangre.

Los hermanos Coen parecen querer mostrarnos a sus personajes-insectos a través del vidrio de un hormiguero. Si bien no suelen demostrar una gran empatía con ellos, hay en este caso una cierta ternura (una suerte de Amarcord judío, como escribe el amigo Monteagudo) pero que aparece detrás del gran asombro que sirve como motor de la trama y que no busca explicaciones (raras veces las hay en sus películas) sino que se concentra en las preguntas.

Como lo hacen los rabinos a los que recurre nuestro agobiado hombre serio Larry Gopnik, el excelente Michael Stuhlbarg (una especie de reencarnación de Harold Lloyd), que repiten una y otra vez que Hashem siempre tiene sus razones. No importa si Gopnik, a quien la vida parece castigar tan injustamente como a Job, como él tampoco tenga la menor idea de las razones de esas divinas razones.

La estructura de la película, en capítulos y con una oscura fábula inicial, no hace nada por interpretar o siquiera aclarar a Hashem. Al contrario, y eso es sin duda lo más atractivo, logra transmitir al espectador el mismo desconcierto que padece Gopnik.

Ningún judío fue lastimado durante la producción de esta película, aclaran los títulos finales. Luego de verla, es posible dudarlo.

Publicado por Rinconete

Otra Dimensión

2010-02-22T12:42:00.004-03:00

"El 3D va a ser como el sonido stéreo, que en sus inicios se suponía que iba a aplicarse sólo a las grandes producciones pero que terminó transformándose en el standard de sonido de todas las películas, grandes y chicas".

A diferencia de lo que imaginan los gurúes de la industria del cine, y después del increíble suceso del Air Cinema, el departamento técnico de 791 trabaja noche y día en una nueva revolución tecnológica diseñada especialmente para el público cinéfilo: el cine 1D.

Ahora que los espectadores de cine de autor ya se acostumbraron a películas de orígenes improbables, duraciones de un mínimo de 3 horas, prácticamente sin diálogo ni acción, se nos ocurrió que el espectador realmente exigente merecía un nuevo desafío, algo que pusiera verdaderamente a prueba su cinefilia y no le permitiera achancharse. El cine unidimensional, además (y como lo muestra la imagen adjunta) dá la posibilidad de ver la misma película en la dimensión Vertical, o en la Horizontal, duplicando la dificultad de encontrar algún tipo de significado en la misma (y duplicando también, la verdad sea dicha, la posibilidad de recuperar algún dinero de parte del abnegado productor).

De cumplir con los tiempos proyectados, todo indicaría que, en 2011, casi el 30% del cicuito del cine de autor de nuestro país ya debería haber instalado la tecnología 1D (si bien el precio de las cartuninas negras troqueladas para los proyectores no fue definido todavía, nuestro departamente de marketing asegura que dicho costo se recuperaría con apenas 3 o 4 estrenos de cine de autor, toda una oportunidad para nuestros exhibidores especializados).

Amor sin escalas

2010-02-17T23:48:00.010-03:00

La vida es injusta.

No me refiero a las grandes injusticias, al hambre en el mundo, las enfermedades degenerativas, la fortuna mal repartida o los apocalipsis recurrentes de Elisa Carrió. Me refiero a las injusticias modestas, de cabotaje, esas que injustamente no califican ni siquiera como injusticias.

Como la que padecía un compañero de mi colegio. No habiendo recibido del cielo nada parecido a la gracia, le era imposible generar la menor empatía con su entorno por más que lo deseaba con furia. Aún cuando intentaba contar un chiste copiando metódicamente, sílaba a sílaba, la descripción que venía de escucharle al inevitable gracioso del grupo, su fracaso estaba anunciado. Sin embargo eso no era lo más doloroso sino la dimensión paquidérmica de su fracaso. Mi único consuelo era pensar que solo yo detectaba sus caidas abismales.

Algo parecido sentí al salir de Amor sin escalas, el bochornoso film de Jason Reitman, director de Juno. Nada esperaba, o muy poco, y sin embargo me fui furioso. Me hubiera conformado con poca cosa, un billete de Estanciero, medio dracma, un par de afganis, medio kilo de yerba. Pero ni siquiera eso recibí.

Terry Gilliam dijo refiriéndose a la explosiva Wanda, que era inverosímil que se enamorara del tedioso abogado interpretado por el gran John Cleese y sobre todo que decidiera escapar con él. Justificaba la decisión de su amigo el director Charles Crichton por imperativos de Hollywood y otras calamidades. En el Amor... solo hay imperativos y a diferencia de Un pez llamado Wanda no solo el final es inverosímil.

Un grupo de ejecutivos más o menos amorales llevan con ímpetu una vida cuya soledad espantaría a San Antonio. Son ermitaños de lujo que han decidido cambiar las cuevas del desierto por las salas Vip de los aeropuertos y el cheap sushi al que se refiere George Clooney en uno de los momentos menos tediosos de la película. Su horizonte mediocre es el de acumular millas o tarjetas de pasajero frecuente y mientras tanto escaparle al espanto doméstico a 10.000 m de altura. El fondo profundo es el drama del desempleo. Lamentablemente a poco de andar el director parece asustarse de su propia audacia y decide transformar a su criatura, un reptil de sangre fría, en soñador enamorado y a su joven aprendiz de cínica en frágil víctima del sistema.

El final, abierto o cerrado, es en definitiva absolutamente irrelevante.

Nadaquever 1 Luego de haber recibido críticas y lamentos por la incorporación del Hallelujah de nuestro sombrío amigo Leonard Cohen en uno de nuestros posteos, causando intentos de suicidios grupales e incluso individuales y siguiendo como siempre las enseñanzas de nuestro Maestro de Luz Sri Sri Ravi Shankar, decidimos proponer un antídoto: el luminoso Karma Chameleon de Loly Molina. Felicidad garantizada además de una sana melancolía sin la cual el mundo no sería lo que es.

Nadaquever 2 Mi hija planea estudiar en la FUC. Más allá de la felicidad que eso implica ya que permitiría que vivamos en la misma ciudad, se me ocurrió consultar sobre esa escuela con los miles y miles de estudiantes de cine que leen este blog (según lo que aseguró el Gerente de Comunicación Corporativa de 791 en nuestro último workshop).

El futuro nunca llega

2010-01-22T15:05:00.006-03:00

En una de las versiones cinematográficas de La máquina del tiempo de H. G. Wells, creo que de los años cuarenta, el protagonista viaja a los ´60. En esa época la gente se pasea disfrazada de cosmonautas, viajando en vehiculos voladores y circulando por largas pasarelas entre inmensos rascacielos. Lo sorprendente es que tanto el guionista como los espectadores no fueran algo escépticos sobre la posibilidad de que el mundo cambiara tan radicalmente en apenas veinte años. Aunque basta mirar las ilusionadas tapas de Mecánica Popular para darse cuenta que el optimismo sobre un cambio tan radical como positivo era moneda corriente en aquellos años de certezas.

Viendo la trilogía de Regreso al futuro con mi hijo de 5 años, a quien los ´80 le parecieron tan remotos como a mí el neolítico, sentí la misma sorpresa. En el segundo capítulo de la saga el protagonista viaja unos años más tarde (o unos años antes, ya no recuerdo) de su presente ochentoso. El mundo, por un error involuntario de su parte, cambió drásticamente y es un gran terreno baldío en el que solo ocurren tragedias sin nombre como por ejemplo que una familia negra ocupe su casa familiar.

El futuro, el verdadero, suele vengarse de las visionarios que imaginan grandes progresos o terribles catástrofes, eligiendo por lo general la más cruel de las utopías: duplicar el tedio del presente.

La princesa, el sapo, John y el Diablo.

2010-01-16T18:55:00.005-03:00

En un muy recomendable documental sobre Pixar, el gran John Lasseter habla de sus comienzos turbulentos como animador en Walt Disney (que se dió el lujo de echarlo) hasta la realización del gran sueño del estudio propio. Lo que la película intenta demostrar es que la materia prima de Pixar, desde Steve Jobs, el generoso inversor inicial, hasta los socios o el último de sus empleados, es la pasión. Todo parece negociable salvo la falta de ese condimento.

Luego de una relación tumultuosa con la gran corporación fundada por Walt el freezado, Lasseter logró disfrutar de lo que probablemente él consideró una dulce venganza al ser nombrado consejero artístico de la empresa que lo había despedido.

La princesa y el sapo, película mediocre que condensa todos los vicios de Disney que Pixar siempre buscó evitar como la peste, desde canciones melosas, personajes almibarados hasta ideologías reaccionarias espolvoreadas en este caso con un poco de Cabaña del tío Tom es la segunda obra realizada por Lasseter desde su nuevo rol. La animación es penosa y hace pensar en esas segundas películas que Disney siempre realizó para salir directo a video (Mulan II, El regreso de Jafar...etc), como si el servicio comercial hubiera decidido obviar las primeras películas, mejores pero más caras y vender desde el inicio basura barata.

Al ver La princesa y el sapo, luego de haber padecido Bolt, el otro hijo bobo del creador de Pixar, es difícil no pensar que el nombramiento de Lasseter fue efectivamente una venganza, pero de Walt.

791 cumple

2010-01-15T11:13:00.001-03:00

15 de enero 2005 ------------------>15 de enero 2010

de América

2010-01-05T10:34:00.010-03:00

¨...y en la NOCHIE larga un grito de AYUDIA que se escuchará
Dame fuego, dame, dame fuego
dame fuego, dame, dame fuego
dame fuego, dame, dame fuego
dame el fuego de tu amooooooooooooooooooooooooooooooooooooor.¨

Aclaración: Hasta el final intentamos negociar. Ofrecimos enviar en su lugar a Palito Ortega, a Joaquin Sabina e incluso al cardinal Bergoglio que sin ser un gran cantante es sin duda un hombre muy vinculado. De manera espontánea, Cacho Castaña se ofreció a ocupar su lugar, dispuesto a todo para volver a la tapa de los diarios aunque solo fuera por un día. Prometimos no cantar más Rosa, Rosa en la ducha ni ponernos a bailar frenéticamente al primer acorde de Dame el fuego de tu amor. Cinefrick movió algunas influencias y la Amiga de la casa prometió presentar una recusación formal o al menos apelar la decisión.

No logramos conmover a los de arriba.

El socio del silencio

2009-12-25T06:58:00.003-03:00

Mientras terminaba de colocar el Santo Asno en el pesebre que había armado en la chimenea de 791, perez recordó con nostalgia los ritos navideños de su infancia en el Hogar Escuela Ezpeleta de Bella Vista.

Para no ser menos y consustanciarnos con la fecha decidimos invocar un film navideño. O mejor dicho, un film que algo tiene de navideño. Se trata de El socio del silencio, policial redondo y algo amoral del ignoto Daryl Duke, que luego de conocer la gracia junto al excelente Elliott Mash Gould, desapareció de los lugares que frecuentaba para perderse en los meandros de la televisión y las series malas.

Levantemos entonces nuestra copa de sidra La Farruca junto al Papá Noel sicótico interpretado por el fabuloso Christopher Plummer, amigo personal de nuestro amigo Depan depan depan, y brindemos por la década del ´70, prolífica en grandes pequeñas películas olvidadas como El socio del silencio.

Las inolvidables y las otras

2009-12-17T15:57:00.007-03:00

A tono con el blog de nuestra amiga Spectarice y con el recuerdo del inolvidable premio 791cine (en la foto se puede apreciar el emocionante cierre de la ceremonia con, en primer plano, el moño que cinefrick estrenó en aquella ocasión y justo detrás el amigo perez, algo tenso por tanta responsabilidad. Entre el público se destaca el amigo Z junto a una de las promotoras a quien le estaría solicitando su número de teléfono) y queriendo además adelantarme al legendario Top 10 que el amigo perez publica cada año a pedido de su reducido aunque muy activo público, decidí presentar lo que considero son las películas inolvidables y las otras, estrenadas este año, en fílmico, DVD, Vinilo o Power Point.

Y para diferenciarme completamente de ese famoso Top 10 y encontrar mi propio estilo, como siempre me aconseja mi maestro de luz Sri Sri Ravi Shankar, propongo un doble Top 5.

Las inolvidables

1. My Winnipeg, del chiflado Guy Maddin. Fabulosa, genial, inolvidable.

2. Del tiempo y la ciudad, documental crespuscular más o menos autobiográfico del gran Terence Davies. ¨el punto de partida no podría ser más local y, sin embargo –como sucede, por ejemplo, con el cine del japonés Yasujiro Ozu–, no podría ser, al mismo tiempo, más universal¨, resume de manera redonda el amigo Monteagudo.

3. El asaltante, opera prima de Pablo Fendrik. No es una crítica al sistema o un grito desgarrador sobre una sociedad que perdió el rumbo y se hunde en el delito. Es solo una buena narración muy bien filmada.

4. Conversación Nocturna, otro gran documental del amigo Gachot, esta vez sobre la lunar Martha Argerich, que tiene la habilidad de desaparecer frente a sus entrevistados y hacerlos brillar solos.

5. Entre los muros, película justa y bien filmada de Laurent Cantet, que evita el resaltador y la bajada de línea aunque no la desesperanza.

Las otras

1. Rodney, de Diego Rafecas, director tan intenso como Miguel Angel Solá aunque aún más seguro de si mismo.

2. Zack y Miri hacen una porno, del diletante y otrora brillante Kevin Smith, hoy transformado en una franquicia de si mismo.

3. Competencia desleal de Ettore Scola. Una película con resaltador, bajada de línea, cartón pintado y olor a naftalina.

4. Duplicidad de Tony Gilroy o como evaporar a un buen guionista y dos grandes actores como Julia Roberts y Clive Owen en una historia que se pierde en los laberintos de su propia destreza.

5. La frontera del alba, película con la liviandad del mercurio del veterano Philippe Garrel que se proyectó en el Bafici. Un ejemplo quimicamente puro de la parida francesa: La felicidad es un valor burgués.

Tren

2009-12-14T14:09:00.007-03:00

Siento una gran envidia hacia el teatro independiente. No es una sana envidia sino un sentimiento bastante más violento, como el que me inspiraban mis compañeros de colegio cuando los veía jugar al fútbol con talento, cuando lograban que la pelota fuera más o menos hacia donde habían querido patearla. O como la envidia seca que sentía cuando otros compañeros entendían algo de las interminables cadenas de carbono espolvoreadas de hidrógenos, con las que una profesora necesariamente sádica llenaba el maldito pizarrón.

Buenos Aires es prolífica en salas de teatro independiente. Basta mirar la página de Alternativa Teatral para descubrirlo. Hay salas off, off-off y off-off-off en cada barrio. Y sobre todo, hay público para llenarlas, lo que es justamente la razón de mi envidia.

Los argumentos del amigo perez, un insider de las tablas, sobre las pocas funciones de las salas de teatro (frente a las muchas de las salas de cine) o sobre la falta de piratería en ese medio(es cierto que no se puede conseguir Tren en ningún mantero de la calle ni tampoco bajarla de la red) que justificarían una cantidad de público superior al del cine independiente, solo potencian mi envidia poco sana.

El teatro Anfitrión forma parte de ese universo y entre otras obras propone la excelente Tren de Piel de Lava, un grupo de cuatro actrices muy jóvenes y con mucho talento (lo contrario exacto de nuestro nuevo ministro de educación) que proponen un extraño viaje hacia algo que parece ser un congreso de evangelistas o testigos de Jehová. Los diálogos son filosos, los personajes tienen un humor brillante que evita la trampa de la risa resaltada y el cascoteo tinellesco a los más frágiles. Mariano Llinás y Agustín Mendilaharzu realizaron el video que acompaña la obra y que logra darle otra dimensión a la escena, expandiéndola.

En la entrada del teatro hay un bar. Si uno toma la precaución de llegar antes, como hicimos nosotros con el amigo S, se puede incluso disfrutar de una copa de vino. Razón adicional que aumenta la envidia nada sana de la que venimos hablando.

Funciones en el Teatro Anfitrión, Venezuela 3340, los viernes a las 21 (entradas: 15 y 25 pesos). Reservas: 4931-2124.

El ausente

2009-12-07T13:23:00.006-03:00

En el marco de nuestra infatigable lucha contra el optimismo bobo y la felicidad sin causa, ofrecemos a nuestros miles y miles de fans (1) a la Grande Sophie, una de las estrellas más recientes del firmamento de la Chanson Française, colectivo musical que según mi amigo Bubi no canta sino que habla.

La canción, un remedio contra cualquier brote de alegría, de esos que hay que combatir desde la melancolía más intransigente es Dis, quand reviendras tu?, de la maravillosa Barbara. Tal vez ella le hablara a su padre, el gran ausente de su vida, aunque podría ser también una canción de amor no correspondido, una pregunta retórica sobre la juventud que se escurre o más cerca de nosotros, la duda del distribuidor de cine independiente frente a la desaparición de su público.

(1): Ayer en una excelente parrilla de Palermo, cuyos dueños orientales sostienen sin ninguna prueba documentada aquella teoría alocada sobre el nacimiento de Gardel en Tacuarembó, me encontré con el amigo Nicolás K, quien me comentó que seguía el blog con pasión de jesuita, pese a no serlo y a no dejar nunca ningún comentario. Eso restableció la confianza en nuestro poder de convocatoria. Los fans son miles, pero no dejan rastro.

A prueba de muerte

2009-12-02T14:17:00.007-03:00

Tarantino no es un remedio a la melancolía aunque sin duda es un buen argumento en contra de los que sostienen que la melancolía paraliza. Como Obelix con la poción mágica, Tarantino se cayó de chico dentro de una marmita de películas asiáticas de bajo presupuesto y películas norteamericanas de los ´70 de presupuesto aún menor.

A prueba de muerte es un excelente ballet mecánico, como escribe el amigo Monteagudo, que rescata el estilo de aquellas películas, entre road movies y gore. No lo hace con las pinzas de la segunda lectura, esa maldición del cinismo cool, sino que se zambulle en su enamoramiento y logra meternos dentro. Más allá de guiños como las rayas en la filmación y los cortes abruptos, lo que agradecemos es el entusiasmo del director, que logra incluso que dudemos sobre si no vimos A prueba de muerte de chicos, en el cine Roxy o en el Electric, en programa doble con La venganza de la araña gigante o Bienvenidos al valle de la muerte.

No dejen de alquilarla. Al menos para gozar junto al amigo Kurt Snake Plissken Russell del Lap Dance que le dedica la inquietante Vanessa Ferlito.

Salchichonado

2009-11-17T15:42:00.004-03:00

Los franceses utilizan la palabra saucissonnage para definir los cortes publicitarios de una película en la televisión. En el algo remoto período estatista de la televisión francesa, era un tema de debate nacional definir si se permitía uno o más saucissonnages en la película de la noche. Los talibanes de la cultura luchaban a capa y espada contra los polpotistas del mercado.

Recordé esas batallas ya perdidas cuando traté de mirar una serie en Sony, canal de ese cable que surgió como remedio a la publicidad masiva de la tele abierta. Cada vez que aparecía el maldito cartel anunciando el inminente regreso de la serie, ya me había olvidado del segmento anterior, contaminado con Ayudín que mata hasta un 98% de unas bacterias que me tienen sin cuidado, Ala que lava medias de cartón que es un milagro o no me acuerdo que perfume promocionado por no recuerdo que carilindo. Pero lo más indignante eran las propagandas del propio canal, cuyos responsables consideran imperioso exhibir entre cada minúsculo segmento de la seria además de toda la parafernalia de cartelitos móviles anunciando el próximo estreno de una serie irrelevante.

Pagar para tener el derecho de ver propagandas fraccionadas por series o películas es uno de los sofisticados privilegios que tenemos los clientes del cable.

Shotgun Stories

2009-11-09T15:07:00.004-03:00

Al principio se me ocurrió que no podría recomendarle esta película a mi amigo Sebastián Morano, principe de los hijos únicos, dado que se trata de hermanos que odian a hermanos y hermanos que aman a hermanos, y sólo alguien que haya tenido hermanos (especialmente menores) sabe de que se trata amar y odiar a un hermano. Pero me equivocaba. Shotgun Stories también es una película ideal para los que aman y odian a su padre (y por qué no a su madre). Y todos tenemos un padre y una madre, incluso mi amigo Sebastián.

En este caso, una cosa lleva a la otra y los amores y los odios llevan a las escopetas. Dos grupos de medio hermanos no se ponen de acuerdo en un punto: unos sostienen que su padre era un perdido, y los otros aseguran que era un héroe. El padre muere, y toda la evidencia en juego para redactar la lápida es el pasado. Son dos pasados diferentes: el primero, el de un padre borracho y negligente que no se ocupó siquiera de ponerle nombre a sus hijos. El segundo, el de un ejemplar hombre de familia, cristiano y empresario exitoso. ¿Puede un hombre cambiar tanto? Para Son, Kid y Boy definitivamente no, y no van a dejar que el viejo se vaya con honores.

La trama de Shogun Stories está asociada con la tragedia clásica por estos elementos universales (las pasiones, los lazos de sangre, la muerte) y también por guiños tales como el personaje de Shampoo, el tuerto que oficia de esos roles habituales en la Tragedia que son el Mensajero y el Destino, cuando cuenta cómo se enfrentan por primera vez los hermanos, y cuando le enseña a uno de ellos a manejar un arma, las dos veces sin ninguna intención aparente más que la de hacer lo que tiene que hacer.

Zack y Miri hacen una porno

2009-11-02T11:04:00.007-03:00

Kevin Smith es el director de Clerks, un muy buen elogio al adolescente eterno en el que nos reímos de sus personajes casi tanto como ellos de nosotros. No parece haber en Clerks otro propósito que el de escaparle al tiempo dejándolo pasar y eso es lo que termina seduciéndonos.

Lamentablemente para el amigo Smith, a él le está vedado lo que sus personajes logran con tanta facilidad. Zack y Miri... es un film convencional disfrazado de comedia transgresora.

Dos amigos del secundario, Zack y Miri, deciden filmar una película porno como solución a sus penurias económicas. Son solo amigos, aunque viven juntos desde hace años manteniendo una relación inspirada en sus mayores Harry y Sally. La preparación de la porno, sin duda lo más logrado de toda la película, con un desfile de actores profesionales y ocasionales, ilustra con humor lo mediocre del proyecto. Los dos amigos empezarán entonces a fantasear no solo con el otro sino también con la posibilidad de disfrutar del sexo casi profesional con sus nuevos colegas. Ese deseo impuro representa sin duda la línea amarilla, los confines del incomformismo a los que Smith se permite llegar.

La tensión erótica entre los dos amigos se disipará a partir de su tan esperada escena de sexo, nula de nulidad absoluta como diría nuestra Amiga de la casa, y explotará en una crisis provocada por los celos. El final bochornoso, que parece haber sido editado por el cardenal Bergoglio, nos explica como Zack puede volver con el amor de su vida tras comprobar, aliviado, que Miri finalmente no fornicó con la estrella porno del film.

Zack y Miri... es una especie de Susy Secretos del Corazón vestida de látex, cuyo falso inconformismo puede rivalizar con el de Sucedió una noche, la excelente comedia que Capra filmó hace 70 años, pero sin contar con la gracia que la hacía digerible.

Aclaración 1: No tengo idea de la razón por la cual la pantalla de youtube sobresale del margen de la página. No lo sé y temo saberlo.

Intensidad

2009-10-26T18:22:00.007-03:00

Leemos en Radar una entrevista a Miguel Angel Solá, actor intenso radicado en Madrid.

¿Por qué no llegan a la Argentina los trabajos (películas, premios) que hiciste en España?
–Es que el empresariado de este país no me quiere nada: soy un buen actor que piensa y encima piensa mal de los otros.

La respuesta me gustó mucho. Es más, la usé esta mañana frente a la horda de acreedores enfurecidos que intentaban llevarse a cuenta la fotocopiadora, la máquina de café y el bakugan de pérez. Cuando uno de ellos, algo incómodo, nos pidió explicaciones por la taquilla anoréxica de nuestros estrenos, le dije: Es que el empresariado de este país no nos quiere nada: somos buenos distribuidores que piensan y encima piensan mal de los otros.

Anoté la respuesta en mi diario, para leerla frente al espejo cuando ande con la autoestima baja.

Unidad 25

2009-10-19T13:31:00.009-03:00

En El Buen Samaritano y sus bemoles, Silvia Bleichmar criticaba el proyecto de una fundación que defendía la entrega gratuita a los indigentes de alimentos ya vencidos aunque todavía aptos al consumo. La ONG en cuestión apoyaba la modificación de las normas sanitarias vigentes para poder concretar la distribución de esos alimentos desde los productores hacia los supuestos beneficiarios. Bleichmar se oponía con tenacidad a ese proyecto, que el sentido común calificaría como una buena acción casi inatacable, ya que consideraba que le quitaba a quienes nada tenían lo último que poseían: su humanidad.

Luego de ver Unidad 25 de Alejo Hoijman que trata sobre el pabellón evangélico de la cárcel de Olmos, en donde los presos disfrutan de una cierta libertad, sin temor a ser maltratados por otros reclusos o el propio personal penitenciario, recordé el ensayo de Bleichmar. No hay en esta cárcel violaciones ni asesinatos, solo lecturas de la biblia, conversaciones religiosas y muchos, muchos cánticos grupales. La película sigue el camino recorrido por un joven preso, desde su llegada al pabellón, mostrando sus dudas y su negativa a participar de la liturgia obligatoria hasta su conversión y aceptación final.

La disyuntiva de volverse evangelista o padecer la violencia de otras carceles parece ser de fácil resolución. Que más da que los hagan cantar loas a Jesus, Marduk o Zoroastro si eso les permite seguir viviendo. Pero la película de Hoijman deja entrever la trampa incluída en ese dilema, que excluye la libertad y pareciera no ser más que otra forma de extorsión.

Como señala Hoijman, " En esta cárcel, el sistema evangélico propone la salvación de un infierno terrenal, ya; no en un futuro incierto.”

El experto

2009-10-14T15:17:00.004-03:00

Alguien dijo alguna vez que después de "Ghost Dog", de Jarmusch, y su retrato de un tragicómico grupo de mafiosos, ya no podían hacerse películas de mafia. En esa línea podríamos haber dicho que, después de los 9 Steps de "Little Miss Sunshine", nadie podía atribuirse, sin vergüenza, las dotes de gurú de nada. Pero el cine desmiente al cine. Hace algunos semanas se presentó, convocado por la Universidad de Palermo, el sr. Al Lieberman, oráculo de la industria del cine, para iluminarnos con sus predicciones y revelarnos la verdad acerca del negocio cinematográfico.

Entre la innumerable cantidad de tonterías que recoge de su exposición la última edición de Haciendo Cine, en gran Al dice que "Disney adquirió Miramax, ABC y ESPN hace muchos años, luego Pixar, y ahora Marvel, y tal vez otras compañías en el futuro" y que "éste es el mayor avance de la industria del cine", lo que nos hace pensar en el tamaño de los retrocesos...(más adelante dice también que "Time Warner ha cerrado sus divisiones para el cine independiente", lo que no queda claro si es interpretado por el gurú como un adelanto o un traspié).

Por suerte para Lieberman, "el futuro del DVD todavía es muy fuerte", una declaración que debe llenar de esperanza a los dueños de Gativideo, LK-Tel, y todos los videoclubes cerrados de nuestro país. También dice que no cree "que las salas de cine necesiten ser salvadas aún". Claro, eso fué hace casi dos meses, cuando todavía el Gobierno de la Ciudad no había anunciado todavía que pensaba declarar "históricas" a las salas Atlas Santa Fé y Multiplex Belgrano para evitarles el pago del ABL y permitir que sigan funcionando.

Sí acertó Al cuando, consultado por el futuro del cine independiente, afirmó que "buenos films, especialmente provenientes de países foráneos, siempre tendrán una gran demanda". Los ducumentales austríacos podrían ser la excepción, pero las ficciones estadounidenses en general tienen buena convocatoria.

Esto ya pasó

2009-10-08T13:58:00.004-03:00

Al igual que Honor de Cavallería y Big Bang Love, ESTO YA PASÓ fue una de las 12 películas que, en marzo de 2007, participaron del premio adquisición llamado Premio 791cine a la Innovación Artística, durante el festival de Mar del Plata. A diferencia de las películas de Miike y Serra, EYP ganó el premio y el consiguiente derecho a ser distribuída por 791cine en nuestro país.

Ya hablamos en su momento del surrealista momento de no-premiación, cuando Quintín no subió a dar el premio y la gente de programación del festival tampoco subió a recibirlo en representación de la película, solidarizandose con Quintín y 791cine, invitado y sponsor del festival censurados por capricho de la entonces vicepresidente del INCAA y hoy diputada María Lenz. Un momento que marcó el punto más alto de la no-relación de 791 con los festivales locales y, quizás también, el principio de un nuevo fin para el festival de Mar del Plata.

Horas antes del derrape oficial, el jurado había decidido premiar a EYP con la compra de sus derechos y un hermoso muñeco galáctico creado por el rosarino Román Vitali por sobre las películas de Takashi Miike, Albert Serra, Katsuhito Ishii, Nicolas Rey, Ernesto Baca, Apichatpong Weeresethakul entre otros. El año anterior la película había ganado también en el elegante festival de Viena.

Hoy la película documental y ficción de la austríaca Anja Salomonowitz acerca el tráfico de personas se estrena en Buenos Aires. Una muestra del lado duro de 791cine que, insólitamente, sigue aportando su granito de arena a la cartelera de nuestro país.

La Sociedad de la Nieve

2009-10-06T13:42:00.009-03:00

"El drama no es elegir entre el bien y el mal, sino entre el bien y el bien." (Hegel)

“Todos tienen buenas razones para defender sus actos y, por consiguiente, sus vidas.” (Feinmann sobre Timote, su última novela).

Mañana se estrena La Sociedad de la Nieve, la última película del uruguayo Gonzalo Arijón que me hubiera gustado distribuir.

Como el amigo Gachot, Arijón genera una gran empatía con aquellos a quien filma, que luego comparte con su público. No hay revelaciones extraordinarias, no hay secretos develados. Solo una cámara invisible que logra que cada sobreviviente de la tragedia de los Andes se siente a hablar con emoción, como en familia, de sus extraños recuerdos. Y sobre todo del dilema moral, la antropofagia o la muerte, que cada cual explica a través de sus creencias religiosas (era un grupo mayoritariamente católico), su miedo a la muerte o simplemente por la voluntad de volver a ver a los suyos.

Entre los testimonios, unas escenas de ficción que en realidad parecen más bien oníricas, intentan recrear aquella realidad. El trabajo de edición entre imágenes actuales, documentos de archivo y estas nuevas escenas es probablemente lo más notable de la película.

Nota informativa 1: Agradezco a la distribuidora el haber dispuesto bandejas con medialunas para la prensa. Eso evitó que los críticos, algunos de ellos famélicos, reprodujeran antes de la privada lo que luego vimos en el film.

Nota informativa 2: Quisiera aclarar que la participación de mi hermano en esta película no debería restarle objetividad al posteo. De hecho siempre recomiendo ver El Padrino II, pese a es una película en la que mi hermano no trabajó y nunca elogié Dos Locos en el Aire de Palito Ortega, película en la que tampoco participó.

Mercedes

2009-10-05T11:08:00.002-03:00

Como señala Diego Fischerman, la figura del cantante popular es compleja. No tiene el atractivo del artista secreto, ese que solo conmueve a un selecto grupo de iniciados. No requiere de intermediarios ni de manuales de instrucción ya que la relación con su público es directa y suele gustarle tanto a mi tía Chola como a mi amigo melómano, aunque este prefiera hablarme de Fischer-Dieskau que de Mercedes Sosa.

Los cantantes populares tienen además el talento de iluminar aquello que nunca habíamos detectado. Como Caetano que junto al amigo Morelenbaum logró alumbrar una canción menor como Un vestido y un amor, Mercedes Sosa ha salvado una cantidad casi infinita de canciones.

La Maza es sin duda una de ellas. Pese a la paciencia militante de mis amigos de la Fede, que invirtieron horas de explicaciones más o menos dialécticas sobre el significado oculto de esa dichosa herramienta, nunca me pareció más que un malentendido caribeño.

Hasta que la escuché cantada por Mercedes Sosa.

Grácia Sharly, Grácia León...

Los Abrazos rotos

2009-10-02T10:52:00.006-03:00

En Arsénico y Encaje Antiguo, el clásico de Frank Capra, todo parece posible. El envenenamiento como forma de compasión, el entierro de cadáveres en el sotano de una agradable casa de familia, la falta absoluta de remordimiento por parte de las tiernas viejitas asesinas y sus diálogos inverosímiles con un cada vez más azorado Cary Grant. Todo es posible por obra de la luminosa gracia del director, condimento sin el cual el resto de las cualidades se disuelven como un Alka-Seltzer en las piletas de La Salada.

Como Capra, Almodovar posee ese condimento. Es además el autor de un mundo propio en el que las historias que nos propone pueden estar mejor o peor contadas pero logran, como aquellas comedias clásicas de Hollywood, el milagro de la liviandad. Sus obsesiones vuelven, con variantes como la relación padre-hijo que por una vez deja en segundo plano la de madre-hija o sin cambios como en el caso de Penelope Cruz que se transforma nuevamente frente a su cámara en Afrodita.

El resto de los actores, como siempre, brilla con luz propia. En particular Lluís Homar, el personaje principal, pero también Blanca Portillo o nuestra amiga Lola Dueñas, a cargo de otra de las eternas obsesiones del director.

En Página 12, el amigo Monteagudo rescata una escena magistral, sin duda la mejor de la película.

Sin pena ni gloria

2009-09-18T11:57:00.005-03:00

Perez está adquiriendo la mala costumbre de hablar acerca de películas que sí vió. Aqui algunas consideraciones al paso acerca de Bastardos sin Gloria:

- La prensa alaba especialmente el trabajo del villano que compone Christopher Waltz, pero es fácil lucirse con un villano (como lo prueban Anthony Hopkins como Hannibal Lecter, Heath Ledger en Batman, y Luis Tasca en Operación Rosa Rosa). El héroe Aldo Raine, que es de la variable villano heróico, es el verdadero prodigio actoral de BSG. Se trata de un actor que hace de Brad Pitt haciendo de un militar sureño estadounidense que imita el aceto italiano. Debe ser un récord de la impostación.

- Es interesante que tratándose de una película norteamericana los estadounidenses hablen inglés, pero los alemanes y los franceses no.

- ¿Es mejor el Hitler-que-ríe de Tarantino o el Hitler-que-llora de Bruno Ganz? ¿Cómo es que nadie se peleó por eso todavía?

- Lo de la francesa heroína que sale con un negro le pareció a Pérez de una corrección política innecesaria.

- Finalmente, dice Pérez que la de Tarantino y la de Campanella se parecen. Dos temas grandes, dos películas de género, dos directores con apellido italiano. O capaz es que todas las películas que uno vé antes de hablar de ellas se parecen.

Victor, victoria

2009-09-11T17:06:00.005-03:00

Es extraño el destino del cine independiente americano en nuestra cartelera. Casi nunca se estrena absolutamente nada, a no ser que se trate de los 3 o 4 consagrados de siempre (Lynch, Jarmusch, e incluso otros que no son altos y canosos). Pasa algo parecido con el cine auropeo (Chabrol, Almodovar, etc...), sólo que los europeos tienen la llave de los premios en los festivales, y una cierta pátina de calidad intrínseca al cine europeo que, creo, se explica solamente porque de alguna manera se las ingenió para convertirse en la antítesis convencional del cine de hollywood. El público argentino que sigue yendo a las salas a ver cine no-tan-comercial es sensible a los premios europeos, las películas habladas en francés, y las críticas de La Nación. El cine americano, por su parte, sólo puede oponerle los premios Oscar, que no son premios a las Mejores Películas, sino a las películas más...Oscar. Esto claramente no incluye a peliculas independientes, que así quedan en un callejon entre estos dos gustos, y sus respectivas ceremonias de legitimación. El público cinéfilo que todavía paga su entrada en Buenos Aires tiene, en general, más de 60 años y probablemente no se tiente demasiado por autores que no se hayan subido todavía a uno o dos podios.

Ayer estrenamos Educando a Victor Vargas, un encantador representante de este cine casi inédito, el cine americano independiente-independiente. Una historia de amor sencilla, urbana, sin ánimos de originalidad, con un gran guión y personajes fascinantes. Casi una Perroneada.

La crítica, en muchos casos, le dedicó las primeras líneas de sus elogiosas críticas a la demora con que se estrena la película en nuestro país, en lugar de festejar que finalmente se estrene una de esas películas cuya primera gran victoria es encontrar un lugar donde ser descubierta. Bienvenido Victor a 791, más vale tarde que nunca.

Preguntas

2009-09-03T13:14:00.004-03:00

Al respecto de los comentarios en el posteo anterior:
¿Hace falta ver la película que publicita este trailer para saber de qué tipo de película se trata? ¿No deberíamos pensar, incluso, que si un trailer es el rejunte de lo más atractivo de una película, los restantes 88 minutos deberían ser todavía más intragables? ¿No es de suponer que, como el título lo indica, el director quiso plasmar una idea imposible, y en el camino le quedo este monstruito? Y por último, ¿la comedia romántica se convirtió en el Parripollo del cine argentino?

El secreto de tus ojos

2009-08-26T10:25:00.010-03:00

El secreto de tus ojos es una gran película. No es una buena película de género, no es un trabajo eficaz. Es una gran película.

Invitados por la asociación Darín. What else? que preside mi mujer, la vimos ayer junto al amigo cinefrick, a mi hermanito cinéfilo y a mi cuñada. Cien por ciento de ese focus group casero quedó encantado con la película. Por supuesto, pese a algunas reticencias iniciales generadas por los celos no del todo infundados del marido de la presidenta, todos nos afiliamos a la asociación, aunque participaríamos sin inconvenientes en el club de fans de Soledad Villamil y el de Guillermo Francella. Todas las actuaciones, incluyendo los personajes ínfimos de 2 segundos o incluso Pablo Rago, son buenas. La dirección de actores fue siempre una de las cualidades de Campanella pero esta vez logra algo casi milagroso.

Todo, desde el arte (excelente, a la altura del de Zodiac) la música, los diálogos, la fotografía, impone un ritmo que atrapa desde el primer momento.

El guión, de relojería, tiene algo de la excelente Nueve reinas de Bielinsky, aunque sin su componente mecánica. Es una historia perfectamente armada, bien contada, ambientada en Buenos Aires y desarrollada a lo largo de dos décadas, incluyendo los años de plomo, pero que milagrosamente no intenta educarnos, no nos explica que los argentinos somos así, que la vida carajo o que la tarea de cada director es denunciar injusticias. Es una película de un amante del cine que descree del prestigio del tedio.

Nota informativa 1 : Antes de la proyección pudimos padecer en familia el trailer de El hombre que corría tras el viento, película humorística con el cómico ibérico Ismael Serrano. Un bestiario del peor cine argentino, con frases intensas (todo principio no es más que una continuación o la inversa, ya no se o el libro de los acontecimientos se encuentra siempre abierto a la mitad), diálogos ampulosos, casi embalsamados y música a cargo del conocido cantautor. No faltan paisajes patagónicos, tango, lluvia y momentos de profunda humanidad.

Según nos informaron fuentes inobjetables, el trailer fue pagado por Campanella para acrecentar, por contraste, la euforia de su público. Fue una jugada hábil.

Nota informativa 2: No tengo la manor idea de por qué la imagen de youtube sobrepasa el marco de la página. Temo pedirle ayuda a nuestro soporte técnico ya que suele contestarme en arameo, idioma que ya no manejo con fluidez.

La frente marchita

2009-08-24T13:46:00.007-03:00

¿Cómo se llaman los responsables de sobreimprimir los logos, la hora, las publicidades y carteles varios a la pantalla televisiva? Supongo que hay gente encargada de eso, formada en el arte de la composición, el equilibrio y la armonía de las formas y, especialmente, el respeto por el trabajo ajeno. Supongo que la persona que en el Canal Volver ocupa esa silla hoy debe estar perdiendo el sueño pensando en las aberraciones visuales a las que está obligado/a a ponerle la firma para promover al mismo canal y a sus emisiones mientras, por debajo, una película argentina trata de hacerse lugar para contar una historia. Porque alguien (¡otro cipayo enemigo de cine nacional!) tiene que estar obligando a este profesional a meter, al mismo tiempo, la hora (abajo a la izquierda) sobre un innecesario plano celeste, al mismo tiempo que los anuncios sobre la película que está, la que viene, y la que ya pasó (arriba a la izquierda, sobre un gigantesco plano blanco) y el insólito logo de Volver (en el medio, a la derecha, molestando siempre) ahora animado con unos fuegos artificiales que festejan sin parar el 15 aniversario de la señal.

Ni siquiera las películas en widescreen (como "Nacido y Criado", hace dos días), con sus barras negras arriba y abajo, se salvan de la invasión de toda esta información, generalmente, innecesaria.

Así es que, mientras los ecos del taquillazo propinado por la nueva película de Darín inundan los suplementos de Espectáculos y, seguramente, la boca de más de un funcionario-yo-te-dije; mientras la Asociación de Cronistas ya se prepara para regalarle a Campanella un Favio Special el año próximo; mientras el cine nacional entero siente renacer sus esperanzas de tener buenas críticas y, sin embargo, llenar salas, mientras todo esto sucede a la luz de la preprimavera porteña, una siniestra conspiración en contra del cine argentino (¡una más!) se teje en las sombras de una sala de edición, a manos de un...

Parque Via

2009-08-24T13:24:00.003-03:00

Parque Via, película mexicana que se exhibió en el último BAFICI es un caso extraño. Como escribió en Otros Cines Josefina Sartora es una película que experimenta con un mix entre realidad y ficción de manera ejemplar, muy al gusto de los festivales y de la nueva critica, con un minimalismo riguroso. Hay algo justamente demasiado prolijo, como esas obras que uno siente que han sido realizadas para ser expuestas en una galería de arte y cuyos trazos reflejan la voluntad del autor de seducir al galerista.

El personaje principal es una casa vacía más o menos modernista cuidada por un empleado taciturno. La fotografía es excelente así como la actuación del cuidador cuyos gestos mecánicos no carecen de humor. El mundo exterior en el que este se aventura cada vez menos, es aterrador. La televisión, bloqueada en una especie de Crónica TV local, ofrece durante cada almuerzo noticias tan sangrientas como irrelevantes.

El tiempo se mide a través de las visitas de una prostituta, las de la aristocrática dueña del lugar y las más esporádicas de una agente inmobiliaria que descree de la posibilidad de vender la casa, despues de tanto tiempo de espera.

El tedio algo mecánico de la primera parte potencia el sorpresivo final, probablemente lo más interesante de la película y también lo que rompe con aquel mix demasiado previsible señalado en Otros Cines.

HC y los mejores sitios web para el cineasta

2009-08-18T13:47:00.007-03:00

Desde la aparición del último número de la revista Haciendo Cine nuestro call center voló por el aire. Miles y miles de fans se solidarizaron con 791 frente a la injusta ausencia de nuestro sitio en la sospechosa lista de sitios web publicada por la conocida revista de cine. Algunos llegaron incluso a argumentar que Facebook, uno de los sitios mencionados, no se puede considerar seriamente una página de cine o que no hace falta publicitar la base de datos IMDB conocida por todos, incluso por los estudiantes de cine.

Las malas lenguas mencionan el penoso incidente del robo de pizza durante la inauguración del Arte Cinema (que denunciamos oportunamente en este blog y que tuvo a los directores de la revista como responsables directos) como la causa de esta feroz censura.

El licenciado Nestor Pitossi, nuestro representante legal, ya ha contactado al INTA, al INADI, al INCAA y al INCA KOLA.

Por nuestro lado esperamos organizar en los próximos días una manifestación-piquete multitudinaria en la sede de la conocida revista para reclamar no solo por nuestros derechos vapuleados sino por el respeto más elemental a la libertad de prensa, a la libertad de conciencia y también a la de vientres.

Firman: Rabino Blumberg, Ethel Rojo, Gogó Andreu, James T. Kirk, Joe DiMaggio, Elisa Carrió, Ruben Peuchele (El Ancho), mi tía Chola, Castriota y Pozzetti, Los Beatles (siguen las firmas)...

My Winnipeg

2009-08-13T15:02:00.015-03:00

Hoy estrenamos en la ya legendaria sala 791 My Winnipeg, el fabuloso film del canadiense Guy Maddin.

Así como Terence Davies no filmó Liverpool sino algo bastante distinto, el recuerdo de su ciudad natal, Maddin nos ofrece una alucinación de su propia ciudad, Winnipeg, una especie de última estación antes de la nada. Retomando sus propias palabras, la película fue encarada como una forma de cumplir los deseos y temores de su infancia.

El resultado es una mezcla de pesadillas, recuerdos infantiles, inventos e imagenes recurrentes en la obra de Maddin como la terrible madre castradora (interpretada por la luminosa Ann Savage) vistos a través del vidrio alucinado de su memoria. También hay algo, aunque felizmante muy poco, de eso que muchos directores tienen sobrevalorado y que se llama realidad.

My Winnipeg es un documental sobre el laberinto de la memoria y si bien destila melancolía (cosa que en 791 siempre agradecemos) no se trata de un ejercicio vano sobre el tiempo ido visto desde un presente aséptico. Por el contrario lo que propone Maddin con infinita gracia y un humor sutil es que el pasado es, irremediablemente, nuestro propio presente.

Exclusivamente Sala 791 / Complejo Arte Cinema (Salta 1620):
16.20 – 18.00 – 19.40 – 21.25 hs.

PS1: Como es casi costumbre recomiendo el artículo de Luciano Monteagudo y el del amigo Batlle en OtrosCines así como la entrevista a Guy Maddin en Página 12.

PS2: Quien deje pasar esta perla será condenado a ver las 24.372 diapositivas de infancia de perez en el living de la casa familiar de Bella Vista (sus padres guardan con ternura desde hace años un viejo proyector carousel Kodak para la ocasión).

Condorito

2009-08-11T12:48:00.004-03:00

La foto a la izquierda muestra a Favio, su actor Hernán Piquín, el gorro fluorescente de Favio y, detrás, un desconocido durmiendo.
La escena pertenece a la entrega de los premios Cóndor de la Asociación de Cronistas anoche, donde Aniceto recibió 9 premios mientras mucha gente, incluso en las primeras filas de la platea, se quedaba dormida.

La ceremonia empezó con un discurso de la presidenta del INCAA, seguida de un anuncio de Tristán Bauer (el lanzamiento de un canal para cine argentino), y después la seguidilla previsible de premios para la película de Favio, los agradecimientos a Favio, la palabras de Favio, y un sinfín de premios a la trayectoria.

Previsiblemente también, tratándose de los Cronistas, las películas de Martel y Llinás se llevaron apenas un premio cada una. Historias Extraordinarias, de hecho, formó parte de una categoría nueva llamada "Premio a la Innovación Artística", lo que hace pensar (o más bien confirma) que la innovación artística no es algo que la Asociación pretenda del resto de las ternas.

Entre muchos otros, sobresalió un momento bizarro. En medio del clip In Memoriam, dedicado a las figuras del cine fallecidas en el último año, aparecieron no sólo Fernando Peña y Mario Benedetti, si no incluso...¡David Carradine! Michael Jackson y Farrah Fawcett, imagino, quedarán para la próxima edición.

Esmowing

2009-07-27T14:16:00.005-03:00

Una de las tantas ventajas de no ser un experto es que uno puede opinar obviedades sin ningún cargo de conciencia. La cantidad de expertos por materia es inversamente proporcional a la popularidad de dicha materia. En el mundo del cine, esta ecuación explica por qué hay más expertos en cine checo feminista que especialistas en películas de Mel Gibson. Si los expertos encuentran dentro de su materia un caso donde la singularidad general (digamos, el género de la animación) se une con una generalidad singular (por ejemplo, una película de Disney), la cantidad de expertos se multiplica hasta el punto en que se da el lamentablemente frecuente caso conocido como "cualquiera opina". "Up", la última de Pixar, debe ser uno de esos casos. Que yo esté a punto de dar una opinión, por si quedan dudas, debería confirmarlo.

Nunca ví mucha animación, ni siquiera ví todas las de Pixar, que no son tantas. Sin embargo, me atrevo a formular la siguiente hipótesis: había en las anteriores películas de P la fórmula de someter personajes y mundos extraordinarios a avatares corrientes (superhéroes desocupados, peces que extrañan a su madre, juguetes que caminan, hablan y se enamoran, etc...), y me da la sensación (¡perdón D´Espósito!) que en el caso de UP esta fórmula está invertida y que, para nuestra sorpresa, tenemos que esperar como media hora de película para que algo fantástico suceda. Mientras tanto, un niño con ínfulas de explorador envejece al lado de su mujer hasta que esta muere y se queda sólo y aburrido en su casa al tiempo que empresas constructoras demuelen ruidosamente todo a su alrededor para construir edificios. Cuando uno empieza a preguntarse qué se supone que pueda pasar durante la próxima hora que justifique el precio de la entrada, la casa sale volando atada a miles de globos de helio.

Pero...sigue siendo un viejo aburrido en su casa...voladora. ¿Entonces? Entonces aparecen perros que hablan (no naturalmente sino gracias a un (¿por qué no?) inverosímil invento humano), pájaros que corren pero no vuelan, y un boy scout gordito se hace amigo de un viejo gruñón y (¿por qué no?) súbitamente acrobático y canchero.

En Bella Vista, barrio que vió crecer a Rinconete y, mucho años después, también a mí, había un cine. La última película que ví antes de que se incendiara y lo transformaran en una mueblería fue Karate Kid. A pesar de la austeridad de la sala (en medio de la película se cortó la luz dos veces) la experiencia fué inolvidable: me acuerdo saliendo de la sala imaginándome, como otro millón de chicos, más grande, enamorado, manejando un auto de colección y tirando la patada de la Grulla.
Algunos años después, salí de ver "Up" en otra sala pero también, como otro millón de tipos, sintiéndome obvio e imaginandome más grande y más malhumorado, pero también (¿por qué no?) más aventurero.

Arles

2009-07-24T07:02:00.007-03:00

Hace 40 años que Arles, ubicada en la Provence francesa, organiza un festival de fotografía. Durante dos meses del verano, la ciudad es invadida por exposiciones y conferencias. Se puede ver fotografías en claustros, antiguas capillas, monumentos historicos e incluso edificios industriales abandonados. En lugar de hablar, como todo el mundo, de futbol o del último divorcio escandaloso, los habitantes de Arles discuten sobre Nan Goldin o el veterano Willy Ronis. Se escandalizan frente a lo que consideran una falta de gusto, se conmueven, se quejan o enorgullecen. Como lo vienen haciendo desde hace 40 años.

Es extraño ver las fotos de los primeros festivales, a principios de los ´70. Los recursos eran escasos y los organizadores se paseaban en 2CV llevando y trayendo materiales, sillas o invitados. En una foto se ve incluso a Lucien Clergue, el mítico fundador del festival, instalando unas luces en calzoncillos. Lo importante no era la logística, sino la obra, los fotógrafos, el público.

Desde hace unos años se incorporaron al circuito de las exposiciones unos antiguos talleres ferroviarios abandonados. El proyecto es ambicioso, como corresponde a toda intervención cultural francesa, pero por suerte avanza lentamente. Solo uno de los pabellones fue reciclado, el resto solo tuvo intervenciones acotadas. El resto es justamente lo más interesante. Los bancos son viejos vagones apoyados en el suelo. Las luces son parrillas hechas de estructura tipo mecano con tubos industriales. Las paredes están sin pintar, tapizadas de fabulosas gigantografías. Unos cubos de color señalan las entradas a cada exposición.

Una señora inglesa bastante malhumorada sostenía que ella podría hacer esas fotos (el lugar común de toda crítica artística, que lleva implícito un extraño desprecio hacia su propio talento) mientras su marido miraba con atención un desnudo en blanco y negro. Una pareja de modernos franceses se extasiaba frente a una proyección de diapositivas de Martin Parr y unas holandesas conversaban animadamente de vaya a saber qué, en holandés.

No escuché a nadie del público quejarse por la falta de aire acondicionado o el confort albanés del café, un conjunto de bancos debajo de un techo de tela. No hablaron del piso manchado, de los escalones rotos ni de los edificios sin techo.

Lo importante, lo único que interesa, como sostiene el amigo perez, son las películas.

Perdón, las fotos.

Sale El Sol

2009-07-16T15:37:00.005-03:00

Después del apoteótico éxito de taquilla de "El Arca Rusa", los distribuidores locales se deben haber sacado los ojos para ver quién estrenaba la siguiente película de Sokurov. Menos de un año más tarde, estrenaron "Padre e hijo". Previsiblemente para todos los que no piensan como un distribuidor, la película no hizo 200.000 espectadores. Desde encontes, Sokurov no filmó mucho más, y en Argentina, como castigo, no le volvimos a estrenar nada al ruso.

Haciendo caso omiso a las elucubraciones esotéricas de nuestros colegas, hoy estrenamos "El Sol", una nueva obra de Sokurov, exclusivamente en la Sala 791 del complejo Arte Cinema.

La renuncia del emperador Hirohito a su carácter divino durante la derrota japonesa en la Segunda Guerra es la injusta sinopsis de esta preciosa película cuya gracia está más en el comportamiento del personaje central, encarnado por el increíble Issei Ogata.

Nota: le robamos impunemente el título de este post a Diego Batlle, quien conociendo nuestras limitaciones creativas sin duda sabrá perdonarnos.

Nuestra propia distribuidora

2009-07-15T14:02:00.003-03:00

Esta semana se estrena la distribuidora Mirada, con su primer título: "Katyn". Una película de época europea nominada al Oscar dirigida por el joven talento polaco Andrzej Wajda. Con este emprendimiento las salas Arteplex profundizan su proyecto de honrar al cine de autor de los años sesenta, para deleite de lo que queda de aquel público...

La pandereta de Porta Fouz

2009-07-08T14:03:00.000-03:00

Eramos pocos

2009-07-07T12:57:00.003-03:00

Como si los cambios de hábitos de consumo del espectador común no fueran suficiente, ahora la industria argentina del cine se las tiene que ver conque la gente no sólo prefiere ver cine en su casa por una cuestión de comodidad, precio y seguridad, sino también por higiene. Los dueños de las salas, que en algún momento habrán deseado que la doble vacación de invierno puediera aportar algo a sus alicaídas arcas, tuvieron que hacer mucha fuerza para que, ante la evidencia de la falta de público, la distribuidora de la Era del Hielo 3 no levantara sus 87 mil copias y dejara las salas sin público, y sin películas. Vendieron medias salas para que la gente que, temeraria, quisiera ir al cine de todos modos, no corriera riesgos de contagiarse de su vecino espectador, butaca vacía de por medio.

Este lunes de programación, me cuentan, fué drámatico. La taquilla fué una lágrima, y todos los estrenos huyeron hacia otras fechas. Si no nos hubieran fallado nuestros reflejos hubiera sido un gran momento para poner a prueba nuestro ambicioso proyecto de Air Cinema. Yo creo que la mayoría de los multipantallas hubiera agarrado.

Claudine

2009-07-01T18:45:00.011-03:00

Una de las pocas ventajas de asistir a los encuentros de antiguos compañeros del colegio es que siempre hay dos o tres conocidos que tienen la cortesía de estar mucho peor que uno. Si además en el grupo de los ajados hay algún ex bonito de esos que sin esfuerzo aparente acaparaban en una noche las miradas que los Epsilones no soñabamos en acumular en todo el secundario, el efecto es realmente balsámico.

Existen también otros ejemplos que generan lo contrario, una especie de desconsuelo. Se trata de aquellos de quienes esperábamos mucho. Eran nuestros elegidos, los que iban a demostrarle al mundo su valor y por alguna extraña clase de capilaridad, hacernos partícipes de su inevitable éxito. Su gloria nunca encontrada termina por pesarnos más a nosotros que a ellos y sin quererlo sentimos que tienen una deuda con nosotros.

Algo de eso me pasa con la adorable Claudine Longet, de la que me acordé leyendo el post del amigo perez sobre la maravillosa The Party. Claudine es la bella etérea de la que el gran Hrundi V. Bakshi se enamora perdidamente, junto a la mitad de los espectadores. Tanto su suave interpretación de Nothing to lose como su legendario brushing laqueado prometían una carrera meteórica que nunca llegó.

La adorable Claudine terminó asesinando a un amante, abandonando a sus hijos y escapando con su abogado que también abandonó a los suyos. Según lo que nos informa wikipedia, tuvo algún éxito en Asia, una manera elegante de decir que no tuvo ninguno.

Payaso triste

2009-06-18T17:14:00.003-03:00

Quizás como una expresión de deseo, se dice que los payasos, los capocómicos, los ricos y famosos, o cualquier otra persona que en público aparente la más mínima alegría, es infeliz y malintencionada en privado.

Nuestro corresponsal en Europa, Rinconeté, nos comentaba hoy vía teleconferencia que se estrenó en París, en los últimos días, la ganadora del último Bafici, "Aquel querido mes de agosto", y que a raíz de esto aparecieron divertidísimas entrevistas a su director, Miguel Gomes. Recordé entonces la mesa de la que participaron Gomes y su productor, durante el festival de Buenos Aires, que también había sido muy graciosa. Y entonces fué cuando vino a mi mente el mito del Payaso Triste, del cual esto sería la versión invertida: películas arduas hechas por gente divertida (nuestro amigo Albert Serra, amigo también de Gomes, sería el Papa de este Vaticano).

¿No sería una buena idea entonces, considerando el acuciante momento que vive la industria del cine, más especialmente la del cine de autor, y tomando como ejemplo a la hermana industria de la música y cómo ésta ha encontrado, ante el avance de la piratería, un respiro en los conciertos en vivo, que el cine de autor se filmara solamente para generar las hilarantes anécdotas que después sus directores, productores y actores contarían, una módica suma mediante, para más de los 2000 o 3000 espectadores que convocan las películas mismas?

Martha my dear

2009-06-11T17:49:00.003-03:00

La historia cuenta que nos llegó un DVD con Conversation Nocturna, el documental sobre Martha Argerich, hace ya algunos años, que lo vimos, nos gustó mucho, lo quisimos comprar y, justo antes, nos enteramos del cuasi estreno que la película había tenido en Buenos Aires cuando todavía existía el Cine Cosmos, la presentación judicial, la supensión del estreno, etc...

Apenado, el director de la película, el suizo Georges Gachot, nos explicó en un inglés esforzado que la familia de Martha, por alguna razón que aún hoy permanece oculta, a último momento había ordenado la no exhibición de la película. Pero (agregó Georges) tenía para ofrecernos otro documental de una artista de pelo largo y rulos. Así nos llegó Maria Bethania, música y perfume.

Entre las diferencias más visibles entre las dos Películas de Mujeres con Rulos que hacen Música es que Maria Bethania es un documental algo más predecible que Conversación Nocturna (que tampoco es en nada experimental), quizás por esa cosa talking heads de la mezcla de entrevistas con MB con palabras halagüeñas de todos los popes de la música popular brasilera, cuando CN se concentra exclusivamente en una conversación con la artista y muchas de sus performances. Esto quizás tenga que ver con el legendario sentido del pudor de la argentina, que entonces también queda retratado en la película. El documental sobre Argerich es, además, mucho más oscuro que el de Bethania, y en ese sentido (que tampoco esta dicho pero que se siente) también es un retrato sutil de su temperamento (o por lo menos del temperamento que uno le imagina).

Que con una estructura tan simple se pueda hacer un documental tan fascinante habla bien del director, y de Martha quizás en partes iguales, tanto que al final uno no sabe si quedó hipnotizado por la película sobre la pianista o por la pianista misma.

Martha Argerich. Conversación Nocturna se estrena hoy en la Sala 791 en el Arte Cinema (Salta 1620)

Nuestra sala

2009-06-02T20:58:00.013-03:00

Desde que nos lanzamos en el lucrativo negocio del cine de autor buscamos tener una sala propia. Durante años analizamos todas las opciones, desde construir nuestro propio cine hasta squattear una sala ajena. Propusimos incluso a varios exhibidores invertir en alguna de sus salas, ofreciendo un mejor sistema de proyección y butacas nuevas a cambio de poder programarla. En algunos casos llegamos bastante lejos en la negociación pero al final nuestro ofrecimiento tuvo un indice de éxito levemente inferior a cero.

Como suele suceder, fue cuando dejamos de buscar que finalmente encontramos. O mejor dicho, que la sala nos encontró. Los amigos Dubcovsky y Burman, responsables con otros socios del Arte Cinema nos propusieron programar la sala 3 del complejo.

A partir del jueves 4 de junio, vamos a exhibir exclusivamente en esa sala todos nuestros estrenos así como también algunas películas ya editadas. La programación será algo diferente que en los otros cines, ya que ofreceremos varias películas el mismo día (una programación dinámica, según la expresión algo marketinera del amigo perez) con el objetivo de permitir que tengan una vida menos efímera que lo acostumbrado. El jueves estrenaremos Big Bang Love de Takashi Miike y la semana siguiente Martha Argerich, Conversación Nocturna, el excelente documental de Georges Gachot sobre la pianista.

Así como fuimos novatos en la distribución somos primerizos en la exhibición. Pedimos entonces a todos los fans de 791 (contabilizados en millones según el último censo del INDEC) que no solo vengan y difundan la buena nueva, sino también que nos cuenten sus opiniones, propuestas, o incluso quejas (que por supuesto no serán publicadas).

No es que no tengamos ideas propias. De hecho perez ya prepara una lectura en vivo de sus maravillosos haikus que acompañará rítmicamente con una pequeña pandereta, nuestros amigos de HC trabajan en el lanzamiento de un novedoso concurso de concursos entre nuestros espectadores mientras analizamos la propuesta de los muchachos de El Amante de organizar workshops de arameo para aquellos espectadores que quieran, entre dos funciones, descifrar algún artículo de la famosa revista de cine fílmico.

Del tiempo y la ciudad

2009-05-29T18:25:00.008-03:00

Según el site del MALBA, el fabuloso documental de Terence Davies que se estrenó ahí y en el Arte Cinema es una celebración de la mítica ciudad inglesa (Liverpool).

Si bien es cierto que la película solo ofrece imágenes de la mítica ciudad, creo que lo que realmente muestra es mucho más íntimo. Como señala el amigo Monteagudo, el punto de partida no podría ser más local y, sin embargo –como sucede, por ejemplo, con el cine del japonés Yasujiro Ozu–, no podría ser, al mismo tiempo, más universal..

Usando su ciudad natal como pretexto y sus cambios inexorables como hilo conductor, Terence Davies en realidad nos cuenta otra historia. La de alguien que decidió tomar un camino diferente al que tenía trazado, pero que al final de su vida añora aquello de lo que escapó.

No hay lamentos lacrimógenos sino una gran lucidez y un refinado humor crepuscular. Las citas son perfectas y la cavernosa voz en off del director nos acompaña desde la primera imagen hasta la última, sorprendentemente esperanzadora.

Quien deje pasar esta perla será condenado al infierno papista que tanto turbó la infancia del pequeño Terence.

Inolvidable

2009-05-20T16:42:00.003-03:00

Si se quiere evitar una angustia aguda, una depresión infinita y/o una tristeza inconsolable, y por prescripción médica, cada 2 o 3 capítulos de Six Feet Under es conveniente mechar con alguna película "de risa".

En el cable daban, promediando la tercer temporada de la historia de los Fisher,y apoyando presumiblemente el estreno de la secuela, Una Noche en el Museo. Supuse que siendo una película de Ben Stiller se trataría de una comedia reidera; Ben, además de ser el único actor incapaz de superar a Al Pacino en estatura, es un gran comediante. Enorme fue mi decepción al descubrir que UNeeM se trataba de una impresentable película familiar (de esto me podría haber dado cuenta si alguien me hubiera avisado que trabajaba Robin Williams, Top 3 de nuestra lista de Actores Garantia de Bochornos pero...), con Instantes Stiller perdidos entre Edades Williams.

La medicación llegó entonces del videoclub y fué "La Fiesta Inolvidable", y si bien es cierto que la impresión que me causó no fué la misma que la última vez que la había visto, hace 25 años, la dosis de Peter Sellers surtió su efecto. En el interín, mientras veía a Hrundi Bakshi amenazado por un perrito elegante, o luchando contra un inodoro, me preguntaba: ¿cuántas veces vió esta película, en estos 40 años, el mismísimo Ben Stiller, o los guionistas de sus películas? Seguramente no sea el primero en denunciar este asalto, y hoy por hoy la Nueva Comedia Americana debe declarar, cada vez que puede, que Blake Edwards es su Juan Pablo Segundo. Difícilmente, por otra parte, le hagan llegar al viejo Blake su correspondiente parte de las ganancias...

Me quedó pendiente, para otra urgencia, este interrogante: ¿porqué una película perfectamente titulada The Party fué estrenada en nuestro país con el horripilante título de Una Fiesta Inolvidable? ¿Hay en las planillas de calificación del INCAA un casillero para el título y otro, al lado, para el superadjetivo? En fin...

Autobombo II

2009-05-20T15:26:00.008-03:00

791 cine nació de nuestro inocultable deseo de ser ricos y famosos.

Como la primera parte de esa ambición no parece tener gran asidero, según lo que sostiene nuestro contador, nuestros amigos de Expreso Oriental Cine decidieron hacer todo lo posible para al menos realizar la segunda.

En nombre de perez, quien ha sufrido en la capital una terrible sensación de anonimato desde que dejara su incipiente carrera en Bella Vista, agradecemos este gesto.

Agosto, un momento antes de la erupción

2009-05-08T00:25:00.015-03:00

Como Nanni Moretti, el director israelí Avi Mograbi genera una inmediata empatía con el espectador, que tiene la extraña sensación de que el director le habla a él en particular.

Los dos directores-guionistas usan las idas y vueltas entre su vida afectiva y la realidad política para armar sus films en desarrollo (en ese sentido Agosto... tiene algo de Aprile). En ambos casos la perpeljidad y el humor son las armas elegidas para avanzar sobre la desilusión que esa realidad les genera.

Probablemente la mirada de Mograbi sea menos complaciente que la de Moretti y sin duda menos quejosa. Al fin y al cabo la tragedia en Israel parece acechar con más entusiasmo que en la Roma de Moretti. La caldera del mes de agosto está a punto de explotar, entre el miedo infinito de los integrados y la desesperanza de los excluídos, como las piedras que caen sobre la cámara del cineasta desde el otro lado del muro.

Dice Mograbi: Esto es Israel, donde quiera que uno vaya, en las esferas públicas o privadas, todo está cargado de violencia, como si estuviéramos ante la inminencia de un desastre, un desastre a punto de producirse sin ninguna advertencia previa....

Z32 + Retrospectiva Avi Mograbi en la Lugones del sábado 2 al domingo 24 de mayo.

Al salir del Teatro San Martin, como sí hubiera escapado de la pantalla, vi pasar a contramano por Corrientes a un judío ortodoxo en patines, con los flecos de su talit katán al viento. Adoro esta ciudad.

Separados al nacer

2009-05-07T19:15:00.003-03:00

A la terrible amenaza de la huelga de guionistas de Hollywood debemos agregar a partir de ahora la del plagio de diseñadores.

A menos que como sostiene perez, que dice conocerlo bien de la época en que Clive cursaba primero inferior en la Escuela Modelo de Bella Vista, la explicación venga del lado del cuñado de Owen que es diseñador gráfico y tiene el monopolio de los afiches de las películas en las que su cuñado interpreta a algún espía.

Duplicidad

2009-04-27T16:03:00.008-03:00

Como sostuvo el humorista Carlos Balá frente al inesperado fracaso artístico de Dos locos en el aire , no alcanza con buenas actuaciones para lograr una obra maestra.

Clive Owen, que como perez no había nacido cuando se estrenó aquella perla de nuestro cine de autor, podría sin embargo argumentar lo mismo. Él y Julia Roberts, sobre todo ella, magnífica, cuya sola presencia iluminaría incluso un film de Ulrich Seidl, llevan adelante con talento la difícil tarea de desenredar el nudo, según la expresión de Luciano Monteagudo.

Pero el problema está en el guión. El director, Tony Gilroy, que brilló como guionista de la paranoica saga Bourne y un poco menos como director de Michael Clayton parece caer en la trampa de Aliens, la terrible secuela de Alien.

Como recordarán los fans de Cacho Scott, luego del éxito de Alien un productor tuvo la idea brillante de hacer una secuela con muchos aliens (¨Si funcionó con uno, imaginate el resultado con un montón de monstruitos!¨) dirigida por el testosterónico James Cameron que hizo padecer una sobredosis de rayos gamma a Sigourney Weaver, alterando su funcionamiento biológico y transformándola en el Lou Ferrigno femenino que podemos ver en la desopilante secuela.

Como aquel productor, Tony Gilroy decidió incrementar el éxito de su segunda película, aumentando golosamente las conspiraciones, flash-backs, tramas y subtramas, trucos y trampas inesperadas, espolvoreadas con unos toques de farsa y comedia romántica.

Duplicidad podría haber pescado en las aguas de Ayer otra vez, del gran Johnnie To o de la elegante The Thomas Crown Affair de Norman Jewison, pero lamentablemente se pierde en los laberintos de su propia destreza.

II Cine Fest Brasil / Buenos Aires

2009-04-23T16:10:00.010-03:00

Hoy empieza la segunda edición del Cine Fest Brasil / Buenos Aires. Pese al estudiado desinterés del amigo perez, que desde que frecuenta al conocido agitador cinematográfico Mauro A., dice despreciar todo aquello que no sea cine proveniente de los 7 dragones orientales, que tenga menos de 7 horas de duración o cuya potencialidad comercial supere los siete espectadores (la famosa regla del triple 7), en 791 hemos decidido promocionar como se debe el evento.

A decir verdad, es poco lo que sabemos de la programación, salvo que hay 11 películas inéditas que se exhibirán en el Village Recoleta entre hoy y el miércoles 29/04 y que una de ellas es la de Bruno Barreto, un director peculiar que filmó el éxito planetario Doña Flor y sus dos maridos hace mucho (cuando él debía estar en séptimo grado y perez aún no había nacido) y que volvió veinte años más tarde con O Que É Isso, Companheiro? (traducida creativamente como Cuatro días de septiembre), una muy buena película mainstream, como dicen los críticos, inspirada en un hecho real de la lucha armada de los ´70.

Última Parada 174 también está basada en un hecho real y describe también una toma de rehenes. Aunque los 40 años transcurridos entre una y otra, han reemplazado la violencia política por una bomba de tiempo social.

Otra buena razón para ir al Village, además de la cabeza de Tafirol.

El Asaltante

2009-04-20T13:11:00.008-03:00

La moral suele complicar la vida de los directores de cine. Si la película es violenta, deben argumentar que en realidad son buenos padres de familia. Si hay algún personaje antisemita, hablarán de su amigo judío o si el asesino es pelirrojo, deberán aclarar que no es una generalización ya que conocen al menos a un pelirrojo que no es asesino.

Lo peor es cuando la justificación no es dada a posteriori sino que preventivamente está incluída dentro de la misma obra. El propio film esclarece entonces al espectador sobre el inconveniente moral de matar o robar y el espectador, previsiblemente, muere de tedio.

Nada de eso ocurre en El Asaltante, opera prima de Pablo Fendrik estrenada en el Arte Cinema. En tiempo real, con una cámara nerviosa y una fotografía excelente, la película nos hace seguir al gran Arturo Goetz en su periplo delictivo.

Como nosotros, el director parece desconocer las razones que impulsan a su personaje y solo se limita a observarlo. No hay explicaciones ni flash-backs salvadores. No es una crítica al sistema o un grito desgarrador sobre una sociedad que perdió el rumbo y se hunde en el delito. Es solo una buena narración muy bien filmada.

Algunas debilidades, como el personaje interpretado por Bárbara Lombardo que complica innecesariamente la trama, no disminuyen el placer del espectador que, al menos esta vez, se salva de que lo eduquen.

PS: No tiene nada que ver con el tema pero empecé mi semana escuchando la magnifica versión de John Cale de Hallelujah. El resultado, como era de esperar, fue devastador. No veo por que debería quedarme solo en este transe: http://www.youtube.com/watch?v=ckbdLVX736U

El telón de azúcar

2009-04-17T14:07:00.007-03:00

Anoche fuimos a ver El telón de azúcar, documental de Camila Guzmán, en el nuevo Arte Cinema.
La película está centrada en la infancia de la directora, hija del documentalista chileno Patricio Guzmán que se exiló junto a su familia en Cuba luego del golpe de Pinochet.

Camila Guzmán filma su infancia y hay algo extraño en su mirada, desprovista de todos las miedos, las tristezas y las dudas que inevitablemente nos persiguieron en esas edades (al menos, lo juro por mi primer Duravit, me persiguieron). Pero es un film sincero, que pregunta más de lo que responde (como en la magnífica escena con la madre de la directora, que aún vive en la Habana), que evita el panfleto y prefiere la duda, el recuerdo dulce de las fotos de clase.

El Che, Camilo Cienfuegos, Fidel, el terrible Período Especial, desfilan como un lejano telón de fondo y son menos importantes que el olor del chocolate después de la escuela o las canciones que, ya adultos, los amigos de la directora intentan recordar.

Él telón de azúcar es una película política, pero solo de manera tangencial. Es más bien un tratado sobre las ilusiones perdidas, sobre aquello que soñamos ser, visto desde lo que somos.

Como melancólico compulsivo en rehabilitación no puedo más que recomendarla.

Belle Toujours

2009-04-09T13:25:00.003-03:00

Primero fué el amigo C. quien logró convencernos de asociarnos para estrenar juntos, con la cifra record de 7 copias nuevas, una de nuestras películas. Después vino el largo, tedioso y olvidado trámite de hacernos con el negativo de la película. Fueron meses durante los cuales los entusiastas amigos del Arteplex ya estaban anunciando el título en las puertas de sus salas, y mientras el director de Belle Toujours seguía, para sorpresa de muchos, cumpliendo años y haciendo películas.

Hoy, jueves de pascua, la sorpresa que nos desvela no está escondida en un huevo de chocolate sino en una caja, en manos de monsieur Husson. 40 años después de Belle de Jour, Severine todavía quiere saber qué fué lo que entonces le dijo el personaje de Piccoli a su marido. Alrededor de los dos, una cena exquisita, Paris y Dvorak.

Belle Toujours, de Manoel de Oliveira, estrena hoy en Argentina, y esto es lo que la crítica dice al respecto:

La Nación

Clarín

Página/12

Una buena noticia

2009-04-07T21:53:00.018-03:00

Anoche fue la inauguración del nuevo complejo Arte Cinema, evento cuya inminencia el amigo Burman, uno de los socios del emprendimiento, me anunció varias veces en los últimos años pero que se fue atrasando por culpa de trámites parsimoniosos, presupuestos multiplicados por Pi, arquitectos estrangulados, directores de obra reemplazados y contratistas evaporados.

La ubicación, a un par de cuadras de Constitución, probablemente sorprenda a algunos sibaritas. Es cierto que es difícil conseguir por la zona un buen wok de vegetales, un sushi razonable o incluso un simple daikiri frozen de mango y jengibre. Pero contar con las mejores salas de la ciudad dedicadas al cine de autor debería compensar aquellas terribles faltas.

El complejo logra escaparle tanto al paradigma de las salas de trinchera, que parece ser el entorno natural del cine de autor, como a la maldición de Las Vegas a la que los complejos comerciales condenan a sus espectadores. Las butacas de las 3 salas son CONFORTABLES, el sistema de proyección y audio es excelente (DVD, Beta, Blu-Ray y, sorprendentemente también 35 mm, lo que generó una queja inmediata de nuestro apoderado) y no hay moquette pegada en las paredes.

La programación, a cargo de Virginia Petrozzino (que, me es penoso confesarlo, saludó efusivamente a perez dejándonos a cinefrick y a mi relegados junto al Cif y las escobas) es notable y como diría el amigo Batlle, parece una continuación del BAFICI: El asaltante, primer largo de Pablo Fendrik, El telón de azúcar, documental de Camila Guzmán Urzúa y La teta asustada de la peruana Claudia Llosa.

Para más información pinche aquí, como dicen los españoles.

PS: Nuestros amigos de HC nos piden que aclaremos un penoso incidente protagonizado por parte de su staff durante la inauguración: Hernán G. habría sido interceptado mientras intentaba subir a una camioneta Kangoo conducida por Pablo U., 67 porciones de pizza, 12 packs de cerveza y 4 cajas de Carcassonne tinto.
Según lo que le informó Daniel Burman al responsable de la seguridad, que con una mano sostenía a Hernán G. y con la otra un tupper con las 67 porciones, no se trataría de un robo sino de un simple canje por promoción.

Queda hecha la aclaración.

La Frontière de l'aube

2009-04-05T16:38:00.008-03:00

Escribimos en su momento sobre las paridas francesas en contraposición a nuestras paridas locales. Luego de ver La Frontière de l´aube de Philippe Garrel, me di cuenta que deberíamos haber incluido también la parida norteamericana (aclaro que me refiero al sentido hollywoodense del término, para que no me tiren al amigo Bujalski por la cara).

La parida norteamericana nos ofrece personajes que solo pueden mover el pie izquierdo, que padecen una enfermedad terminal o que luego de un terrible accidente se han quedado sin familia, salvo tal vez un pequeño canario, pero que logran pese a esas calamidades ser felices. Eso es posible ya que la felicidad en Norteamerica es una obligación social además de ser el objetivo último de toda búsqueda individual. Nadie dejaría de ser feliz por poder mover unicamente el pie izquierdo o quedarse solo en el mundo en compañía de un pequeño canario.

Nada más alejado de la parida francesa, que aborrece de la felicidad y desconfía de quien intenta buscarla. Uno de los personajes de La Frontière de l´aube lo aclara hacia el final de la película, por si alguien a esa altura pudiera dudarlo: la felicidad es un valor burgués.

En su última película Garrel deja de lado la siniestra ironía que sobrevolaba Inocencia Salvaje para dedicarse de lleno a explicar lo inexplicable: una bella joven, con una carrera promisoria conoce finalmente el amor y se suicida. Su hermoso enamorado de melena romántica logra sobreponerse, se vuelve a enamorar, va a tener un hijo con una chica frágil pero también bella además de rica y previsiblemente, también se suicida.

En el medio algunas escenas de electroshocks nos describen el terrible mundo interior de aquellos que erróneamente creemos que tienen todo para ser felices.

Bafici para distribuidores

2009-04-01T15:11:00.004-03:00

Vacation, de Hajime Kadoi, es una de las películas que el Bafici puso a consideración de los distribuidores locales para su estreno en Argentina. Dado que, si no vi mal, eramos los únicos distribuidores de la sala, hete aqui un mensaje en una botella para nuestros colegas a quienes la intriga sobre la potencialidad comercial de esta película no los deja dormir.

Pros de Vacation:
- Tiene un buen título. Con un poco de suerte alguien piensa que es una reposición de la película de Chevy Chase.
- Es cine japonés, que para el cinéfilo local es algo así como el cine francés con gente que se sienta en el suelo.
- Trata sobre la pena de muerte. Si la película se estrena en la próxima semana se puede invitar a Susana Gimenez a la avant premiere. 12 espectadores más como mínimo.
- Una sinopsis algo dibujada podría hacer hincapié en una historia de amor

Contras de Vacation:
- Si las vacaciones son sinónimo de descanso, el contenido de la película no le hace nada de honor al título.
- Es cine japonés, que para el exhibidor local es algo así como el cine francés pero incluso más aburrido. Y con gente que se siente ¡en el suelo!
- La gente no quiere ver ejecuciones en el cine, sólo por TV
- Una sinopsis honesta debería aclarar que se trata de un matrimonio arreglado entre un guardiacarcel y una madre soltera (o viuda, no está claro), y que los protagonistas práticamente no se hablan, nunca se tocan, y apenas sonríen.

Entre los pros podríamos incluir también que a nuestro amigo y experto M. la película le parece, sencillamente, una obra maestra. Pero claro, nuestros colegas no tienen la menor idea de quién es M...

Vacation se proyecta el 1 y el 5 de abril en el Atlas Santa Fé.

Beeswax

2009-03-28T19:53:00.006-03:00

En 791 somos fanáticos del amigo Bujalski desde que distribuimos Funny Ha Ha, su primera película.

Así que ayer fuimos a ver Beeswax, su última película, felices como cuando uno va a cenar a lo de un viejo amigo. En esos casos poco importa que el amigo en cuestión no sea socio del Club del Vino y abra un Carcassonne en lugar de un malbec redondo en boca, con reminiscencias de canela y frutos rojos. En esos momentos no esperamos comer en manteles de lino bordado ni con una infinidad de cubiertos cuya secuencia de cualquier manera nos superaría ampliamente.

Cuando vamos a comer a lo de un viejo amigo esperamos poder poner los pies sobre la mesa baja, tomar una cerveza que sacamos de la heladera, picar alguna cosa que se está preparando en la cocina y conversar. Conversar mucho y de lo que sea.

Es una felicidad difícil de explicar, aunque muy fácil de reconocer.

Ocurre lo mismo con el cine de Bujalski. Como escribimos al estrenar Funny Ha Ha, es poco lo que sabemos de cada personaje y es justamente esa falta de información la que nos hace gozar con cada diálogo y lo que le da el encanto a una historia, que como en algunas películas de Casavettes, da la impresión de seguir despues del corte final.

Pareciera que al director-productor-guionista (esta vez no actor) solo le importan los diálogos y sobre todo, lo que ocurre con sus personajes cuando los dicen. El resto, la cámara, la trama, la historia, es solo una excusa para poder sentarse a escuchar a sus actores.

Actores que como siempre, están perfectos. Las dos hermanas gemelas (Maggie y Tilly Hatcher) y Alex Karpovsky, que oficia de estudiante universitario y es una especie de alter ego del director.

Si dejan pasar esta joya, la maldición del conocido que sabe una bocha de vinos caerá sobre sus cabezas y en la próxima cena con amigos solo hablarán de taninos, aromas intensos, sabores expresivos y notas de fruta y de vainilla.

Tom yum goong

2009-03-27T13:03:00.005-03:00

Asi como de chico me encantaba el Ital Park por más que no fuera, soy un fanático del BAFICI más allá de que logre ver alguna película. Me gusta comprar el catálogo, leer las críticas, tratar de entender las grillas, elegir películas imposibles e incluso verlas.

Recuerdo un documental sobre Johan Cruiff elegido por mi mujer, fanática del Barça. Lo programaron un domingo a la mañana y la sala estaba casi llena. Nunca sabré si alguien más conocía a Johan Cruiff aparte de mi mujer, pero creo que todos salimos bastante contentos de la proyección.

Ayer ocurrió algo parecido con Tom yum goong del tailandés Prachya Pinkaew, del que nada sabía salvo que nunca jugó en el Barça (mi mujer me lo confirmó).

Tom yum goong es una especie de musical explosivo en donde Fred Astaire fue reemplazado por un Jackie Chan tailandés (excelente Tony Jaa, actor y también coreógrafo). La fotografía es muy buena y no hay trucos digitales, todo es tracción a sangre como diría el amigo perez. El humor logra que todo sea posible, aún lo inverosímil, pero nunca cruza la peligrosa línea del cinismo cool. El director cree sinceramente en su historia de iniciación, venganza y redención y se lo agradecemos.

De Pinkaew también se exhibe Chocolate.

Ettore, Ettore...

2009-03-19T14:13:00.004-03:00

A fines del siglo XVII cuando estaba todavía en el colegio, un profesor demolió fervientemente el trabajo que le entregué. No recuerdo ni el tema ni las críticas, salvo una: lo que había presentado aparentemente no estaba a la altura de lo que yo solía hacer. En ese momento me pareció injusto que un trabajo fuera la víctima de sus antecesores y que no pudiera ser juzgado por sus propios aciertos o sus eventuales errores.

Recordé aquella historia al irme del cine en medio de la proyección de Competencia desleal, la última película estrenada de Ettore Scola. No estoy seguro de que si no hubiera visto la maravillosa Un día muy particular, me hubiera quedado hasta el final. Pero el recuerdo de las actuaciones de Sofia Loren y Marcello Mastroianni y de la maravillosa fotografía de De Santis sin duda aumentó mi desconcierto frente a lo que me pareció una película trivial, tan falsa como sus decorados, con personajes que luchan por no ser las caricaturas que describe el guión, entre los que se destacan los pobres franceses (Depardieu, Jean-Claude Brialy y el gran Claude Rich) que intentan sobrellevar como pueden la tortura adicional del doblaje al italiano, esa maldición chasmaniana de las coproducciones europeas.

No hay un plano en donde no se vea un tranvía, una joven en bicicleta, unos chicos de pantalones cortos que juegan en la calle. Es preciso que entendamos que estamos en los años ´30, que el fachismo acecha, que vivimos el fin irremediable de una época, pese a la aparente indolencia de la familia judía.

Un día muy particular, que hablaba de lo mismo pero no de la misma manera es la verdadera competencia desleal del director.

Decile oui al cine francés

2009-03-16T12:29:00.004-03:00

A partir del jueves próximo y hasta el miércoles 25, en los cines Patio Bullrich, se lleva a cabo por primera vez el ciclo de cine francés Les Avant Premières. El ciclo incluira varios de los títulos franceses más relevantes del año en carácter de pre-estreno, entre ellos nuestro Belle Toujours, coproducción franco-portuguesa.

El ciclo tuvo su apertura el viernes pasado, en la elegantísima Embajada de Francia, donde el embajador, junto a Laurent Cantet, hicieron los honores. La última película de Cantet, "Entre los muros", se proyectó a continuación para los que habían sobrevivido al champán francés.

En el interín nos cruzamos con el amigo Z, siempre bien acompañado, el amigo B, de impecable traje y colorida camisa, y como es obvio también con el amigo P, distribuidor de la película de apertura, quién confesó haber tenido mucha suerte cuando, después de que los otros distribuidores argentinos pasaran de ellos, se hizo de los derechos de "Entre los muros" poco antes de que la película se hiciera con la Palma de Oro en Cannes. Ojalá tenga la misma suerte cuando estrene, el 16 de abril próximo.

El Baficid

2009-03-11T17:56:00.003-02:00

El martes pasado se lanzó la próxima edición del Festival de Cine de Buenos Aires y, como es tradición en todos los eventos cinematográficos realmente importantes, no fuimos invitados. Según nos contaron los que sí están en el negocio del cine, este año está confirmada la asistencia de un montón de público que no va al cine el resto del año para ver películas que le van a parecer excelentes aunque no se las recomendarían a un amigo ni bajo amenaza de muerte. Está confirmado también que va a ser imposible conseguir una entrada para las películas que todos quieren ver de manera de fomentar las películas que nadie quiere ver. Pero no todo sigue igual en el Abasto: tratando de superar a la gestión anterior, que proyectó El Acorazado Potemkin con orquesta en vivo en el Colón, esta vez el festival que presenta al cine más actual del mundo tendría como evento principal una película de la época en que no había sonido, pero tampoco imágenes. La gacetilla también informó que este año los anteojos de marco rectangular y negro serán reemplazados por unos de marco redondo y de color verde.

En fin, Mar del Plata desapareció, pero por suerte queda el Bafici. Más información sobre el festival aquí

La infeliz

2009-03-03T11:14:00.004-02:00

El primer festival que tuvo a 791cine entre sus espectadores fue el de Mar del Plata del 2005. Esa edición de Mar del Plata fué, para algunos, la mejor de los últimos años. Habían en la programación títulos tales como Tarnation, El Sabor del Té, la trilogía de Infernal Affairs, Vital, y muchas otras. A contramano de lo que suele suceder con la mayoría de los distribuidores, que llevan al festival películas que ya compraron antes, nosotros fuimos aquella vez a Mar del Plata a comprar películas, o al menos a ver películas para comprar. Llegamos al festival con 3 meses de vida, y sin ninguna película en nuestro haber. Pocas semanas después comprábamos varias películas. Películas que pudimos ver gracias a que el niño Andrizzi , programador de la muestra (y todavía no un cineasta famoso), nos consiguió muchas entradas en un esfuerzo personal. Sin su ayuda hubiera sido casi imposible.

A partir de ese año ir a Mar del Plata se convirtió en una pequeña tradición. No volvimos a comprar tantos títulos como en nuestra primer visita, pero siempre sentimos un parentesco grande con este festival. Fué así que en el 2007, otra vez gracias a la inquietud del niño Andrizzi, organizamos el Premio 791cine en el marco del Festival de Mar del Plata que, hasta que llegó el bochorno con Quintin, etc...había funcionado bastante bien. En ese momento decidimos no volver a Mar del Plata, y el cambio de fecha de le edición del año pasado no hizo más que facilitarnos la ausencia.

Desde Mar del Plata, en noviembre, llegaron comentarios poco auspiciosos. La artística seguía funcionando, pero la convivencia entre la estructura de los últimos años con la nueva dirección, y la nueva conducción del INCAA, parecía no ser muy fluída. Se corrían rumores de que querían terminar con el festival, rumores que se acrecentaron con el anuncio de la creación de un mercado de cine en Buenos Aires, días después de la fecha de Mar del Plata. En el cierre del festival la presidenta del INCAA le aseguró en público a Martinez Suarez que lo iba a volver a contratar para una nueva edición. Martinez Suarez, pocos días antes, había defenestrado en público el trabajo de unos de sus programadores, el gran Pablo Mazzola, quien, además de ser un entusiasta absoluto y un programador (me parece) muy capaz, fué otro de los que colaboró mucho para organizar en su momento nuestro premio. No nos daba la impresión de que con el tiempo y el cambio de estación el festival estuviese mejorando.

Como en 791cine vivimos en una media, me entero hace dos días que muchos de los programadores de Mar del Plata renunciaron, y que el plan del INCAA es hacer un festival más chico, co-organizado con la ciudad de Mar del Plata y no sé quién más. Aparentemente a Pablo Mazzola le fué pedida la renuncia y, en solidaridad con él o afectados por el achique, deben haberse salido los otros integrantes de un equipo que, en pocos años, fue uno de los principables responsables de que el festival vuelva a ser interesante.

Como cuando uno piensa que durante la propia vida cayó el Muro o (en el caso de Rinconete) llegó el hombre a la Luna, queda la sensación de haber estado presentes en un momento único e irrepetible, esos 4 o 5 años durante los cuáles daban ganas de irse a Mar del Plata en marzo, ver grandes películas y comer rabas con cerveza mirando al mar.

Rodney

2009-02-25T13:58:00.003-02:00

Diego Rafecas forma parte de los electrones libres del cine nacional, como Subiela o en menor medida, Piñeiro. Más allá de las grandes diferencias formales que los separan, comparten la atracción por un cine de certezas. Son obras tan seguras de si mismas que aparentan prescindir de la mirada de los otros.

En Rodney, la segunda película de Rafecas , se mezclan tópicos que seguramente encandilan al director: la espiritualidad más o menos zen, la posibilidad de un cambio de vida radical, el caos creativo, los afectos disfuncionales. Se agrega en este caso el famoso bar de la calle Rodney, que le da el título y que es sin duda lo mejor de la película (incluyendo al dueño, que actúa de mozo).

Los actores, desde el gran Daniel Fanego hasta la excelente María Ucedo, se unden en el abismo de un film incomprensible, atados de pies y manos por diálogos artificiosos y mensajes resaltados. Aquellos que logran salvar algunos muebles del naufragio son los que hacen de ellos mismos, el dueño del bar, el Mono o el propio Rafecas, que parece creer sinceramente lo que dice, más allá de que alguien pueda compartir su opinión.

Estreno el jueves 5 de marzo

Oscarcito

2009-02-23T10:54:00.009-02:00

Conversando esta mañana con cinefrick y Sri Sri Ravi Shankar, nuestro maestro de luz, me di cuenta de lo poco que nos había interesado este año la ceremonia de los Oscar (¿Oscares, Oscars?). Sentimos, como bien lo señaló Sri Sri mientras marcaba la cadencia con su tamboril, que salvo algún ejemplo aislado como Wally ninguna de las películas nominadas generaba algo remotamente relacionado con la pasión.

La ceremonia, un conglomerado de gags plastificados, comentarios bienintencionados y miradas húmedas, fue coherente con la selección. Era un gran museo de cera en movimiento. Ben Stiller, en un gesto transgresor que hubiera escandalizado a mi abuela Chicha, pegó un chicle en el atril del escenario, Kevin Kline o un replicante muy parecido a él hizo un elogio sobre un actor secundario que todos sabían que no ganaría ya que debía ganar el muerto. Los padres del guasón subieron a recibir el Oscar que su hijo Heath no pudo venir a buscar y leyeron un discurso conmovedor, aunque no deje de ser extraño, como bien lo señaló Sri Sri mientras se ajustaba una sandalia, que un padre deba recurrir a un discurso escrito para elogiar a su hijo muerto. El gran Sean Penn se emocionó frente a las esperables denuncias del guionista de Milk, película ya denostada por el amigo perez.

El mundo suele naufragar en este tipo de empresa. Los otros premios, Césares, Goyas, Cóndores, están condenados a ser funciones de cabotaje ya que nunca logran empardar el profesionalismo de la Academia de Hollywood. Como bien concluyó Sri Sri mientras se sacaba una pelusa de la túnica, los Oscar (¿Oscares, Oscars?) logran el milagro de ser un lugar tan común como las críticas que año a año generan.

Nos metieron el perro...

2009-02-19T12:09:00.004-02:00

El amigo Raúl Perrone, reconocido seguidor de la obra de Gus van Sant, probablemente haya llamado a uno de los protagonistas de su Trilogía precisamente "Gus" en honor al director americano. Como todavía no lo hablé con Perrone (y como hay alguna chance de que en realidad esto se deba a que el nombre real del actor es Gustavo), no puedo asegurarlo, aunque si así fuera me atrevería a subir la apuesta y afirmar que el director de "Milk" no es Gus Van Sant sino, sencillamente, Gus. Esto explicaría que una película atribuída al director de "Elephant" incluya los condimentos necesarios como para lograr 8 nominaciones al Oscar (la actuación de Seann Penn y la temática histórica que denuncia valientemente actos de violencia y discriminación oportunamente tarde, entre ellos). No sería de extrañar que Gus a secas sea tambien el autor de, por ejemplo, "Good will hunting", con el impresentable dúo protagónico conformado por Robin Williams y Matt Damon, la única película anterior atribuída a Van Sant nominada a los premios de la Academia (esta vez en la terna Lección de Vida).

Lo menos posible

2009-02-06T14:36:00.006-02:00

Ayer volví a ver Chinatown. Pese al cariño enorme que le tengo a El baile de los vampiros, Chinatown me parece la mejor película de Polanski. Los actores deslumbran (Jack Nicholson, todavía contenido, Faye Dunaway, el siniestro y refinado John Huston) pero creo que lo que la hace diferente es la mirada absolutamente desangelada del director, que logra uno de los mejores finales posibles (en contra del productor que insistía con un final más amable).

Recordé la crítica de Luciano Monteagudo a Antes que el diablo sepas que estás muerto, en donde escribió que Lumet ve al mundo como un lugar maligno. El mundo de Chinatown es eso, un lugar en donde el único personaje desinteresado es asesinado sin miramientos, en donde el mal triunfa una y otra vez gracias a quienes deberían combatirlo y en el que el anti-héroe es condenado al suplicio de conocer finalmente la verdad pero sin poder hacer nada por remediarla o al menos probarla.

La edición DVD incluye entrevistas a Polanski, al productor y a Robert Towne, el guionista. Este último explica en la entrevista la elección del nombre de la película (nombre que solo se entiende plenamente en la última escena).

El título me vino a la cabeza después de escuchar a un policía húngaro de la brigada de narcóticos. Me contó que había trabajado en narcóticos en Chinatown. Yo le pregunté qué hacía y me contestó: "Lo menos posible". Entonces le pregunté: "¿Qué clase de trabajo policial es ese?" Y me dijo: "Mira, cuando estás allí dentro, rodeado por los chinos y todos sus diferentes dialectos, no puedes discernir quién le está haciendo qué a quién y no puedes saber si te están pidiendo que evites un delito, o si lo que estás haciendo, sin darte cuenta, es ayudarles a cometerlo con toda la fuerza de la ley. Así que decidimos que lo mejor que se podía hacer cuando estás en Chinatown es lo menos posible". Y de este modo fue como empecé a barruntar el guión de "Chinatown".

De premios y menciones

2009-02-03T15:07:00.006-02:00

Ayer se entregaron los Premios FIPRESCI a las mejores películas estrenadas durante la temporada pasada y como cada año desde que nos lanzamos en el lucrativo negocio del cine de autor, una de nuestras películas fue nominada. Argumentando una súbita luna de miel, el amigo perez se escabulló dejándome como siempre en primera línea.

Entre codazos, circulando en medio de una muchedumbre descomunal y con la ayuda de los relacionistas públicos que pululaban en el teatro San Martin, pude acceder al palco de honor de los invitados VIP en donde fuimos convidados con una copa de Veuve Clicquot rosé y unos canapés de bondiola, mientras la flor y nata de la crítica cinematográfica nacional hacía apuestas sobre los ternados.

Como ya es costumbre con nuestras respectivas taquillas, el amigo Carlos Z nos pasó una vez más el trapo. Generando una pasión casi obamezca, la maravillosa Shara se llevó el premio a la mejor película extranjera mientras que Naturaleza Muerta tuvo que conformarse con una mención honorable. Nos fuimos dignamente, desoyendo aquellas voces amigas que denunciaban tongos y acuerdos espurios llevados a cabo por una distribuidora (cuyo nombre empieza con la última letra del alfabeto) y su despiadado dueño.

PS1: La foto inmortaliza el emotivo momento en el que Diego Lerer, en nombre de la FIPRESCI me hizo entrega de la mención. En el primer plano se ve a Leo D´Éspósito y su ya legendario bigote y detrás el amigo Carlos Z, rutilante por el triunfo pese al evidente peso de los años.

PS2: Shara sigue en cartel en el cine Premier.

PSH

2009-01-19T13:54:00.003-02:00

En ocasión del estreno de Antes que el Diablo sepa que estás Muerto habíamos hablado bien de PSH, la consideración en la que lo tuvo Lumet, y cómo dejó todo cuando le tocó en suerte el disgusto de castigar con su prominente abdomen las frágiles posaderas de la Ganadora de un Oscar de la Academia.

Utilizando una imagen futbolera que dejará afuera al culto Rinconete, PSH es uno de esos jugadores que una pagaría una entrada por ver. Incluso en dos películas como La Duda y La Flia. Savage. La primera una obra de teatro (in)adaptada al cine lamentablemente, y como es notorio, por su autor. La buena de Meryl Streep y Philip hacen lo que pueden con este mamotreto que empieza mal y soprende con un final que es aún peor de lo esperado. La Familia Savage es apenas mejor, seguramente porque en lugar de los diálogos hecha manotazos a la estética clásica del cine independiente americano, preferible para mí a la del teatro idem. Acá también (¿como casi siempre?) PSH se las ingenia para contar con una partenaire maravillosa como Laura Linney, que a su vez se las ingenia para volver a jugar al tenis indoor, como en Historias de Familia. Ninguno de los dos, lamentablemente, se las ingenió para decirle que no a este proyecto.

Dice PSH que, afortunadamente, ahora puede elegir en qué películas trabajar, y que si le gusta un proyecto lo haría incluso por poco dinero. Porque no todo es el dinero. Con La Familia Savage y La Duda uno puede pensar que o bien PSH tiene mal olfato para los guiones, o que una deuda de juego lo agarró entre películas. Como lo queremos, elegimos la segunda opción.

Promesas

2009-01-12T14:11:00.008-02:00

Hace un par de años vimos con el amigo cinefrick Promesas, un excelente documental programado en el Bafici. Quintín, que todavía dirigía el festival fue quien lo presentó junto a B. Z. Goldberg, uno de los co-directores de la película. Era un documental sobre el conflicto palestino-israelí narrado desde la mirada de siete chicos, de ambas nacionalidades. Creo que la crisis de fondo era la segunda Intifada, aunque no estoy seguro. Tampoco importa demasiado, podría haber sido filmado probablemente en cualquier momento de los últimos 60 años.

B. Z. Goldberg genera con sus entrevistados una gran empatía, un poco como Georges Gachot con Martha Argerich en Conversación Nocturna. Cada chico habla de su vida cotidiana, de sus miedos, de los otros que viven a 20 minutos de distancia aunque parecen ser de otra galaxia.

Unos mencionan el trayecto diario en autobus en cuya misma línea un hombre-bomba se hizo estallar unos meses antes. Lo mencionan con aprensión pero sin odio. Los otros hablan de un familiar muerto por el ejército o de la vida en un campo de refugiados.

Lo extraño no son las evidentes diferencias, sino las enormes similitudes. El fútbol, la música, la televisión, las salidas, la ropa. En un campo de refugiados palestinos, en un hogar progre israelí o en una colonia de los territorios ocupados, los deseos de esos futuros adolescentes no parecen ser incompatibles.

El documental logra juntarlos en una escena de gran optimismo. Después, como en la realidad, las cosas empeoran. Al crecer los chicos se convencen como los grandes de que no hay solución al conflicto. O peor, de que solo hay una solución definitiva.

Al ver en la televisión las imágenes de Gaza, recordé las caras luminosas de los chicos de Promesas. No cabe duda de que tarde o temprano ellos o quienes vengan después de ellos se van a sentar a negociar. Al fin y al cabo solo se negocia con sus enemigos, como lo hicieron los católicos y los protestantes irlandeses o los blancos y negros sudafricanos, cuyo odio no era menos infinito que el que profesan los palestinos y los israelíes.

El gran problema es que el tiempo les juega en contra. Cuanto más tarden en sentarse a la mesa, más feroces serán sus interlocutores.

El canal Encuentro emitió este documental el domingo 11/01. No se si lo volverán a programar, pero si eso ocurre aconsejo no dejarlo pasar.

Según la crítica

2009-01-05T14:49:00.003-02:00

Transcribimos aquí las películas nominadas y las que casi lo fueron en la elección que Fipresci (la Federación Internacional de Prensa Cinematográfica, si no me equivoco), en su versión local, realiza anualmente para elegir las mejores películas estrenadas durante el año en nuestro país. No hay muchas sorpresas para los que le hayan prestado atención a las críticas y comentarios del año, aunque un ejercicio matemático, contando la cantidad de votos logrados por cada película, puede resultar interesante.

(La información esta tomada textual de micropsia.blogspot.com, blog del periodista y miembro de Fipresci Diego Lerer)

Películas Argentinas
(Nominadas por Orden Alfabético)

HISTORIAS EXTRAORDINARIAS

LA MUJER SIN CABEZA

LEONERA

LIVERPOOL

LOS PARANOICOS

Otras Películas Votadas:

ANICETO 42 puntos

EL HOMBRE ROBADO 39 puntos

LA RABIA 32 puntos

LA PROXIMA ESTACION 27 puntos

EL NIDO VACIO 25 puntos

LA ORILLA QUE SE ABISMA 24 puntos

LA LEON 23 puntos

CONSTRUCCION DE UNA CIUDAD 20 puntos

EL DESIERTO NEGRO 16 puntos

CORDERO DE DIOS 15 puntos

EXTRANJERA 8 puntos

Películas Extranjeras
(Nominadas por Orden Alfabético)

BATMAN: EL CABALLERO DE LA NOCHE

I'M NOT THERE

NATURALEZA MUERTA

SHARA

WALL-E

Otras Películas Votadas:

SIN LUGAR PARA LOS DEBILES 52 puntos

PROMESAS DEL ESTE 46 puntos

PETROLEO SANGRIENTO 45 puntos

LA ESCAFANDRA Y LA MARIPOSA 42 puntos

PARANOID PARK 39 puntos

LA CUESTION HUMANA 38 puntos

PERSEPOLIS 37 puntos

LA JOVEN VIDA DE JUNO 17 puntos

ELECTION 2 15 puntos

LA NUBE ERRANTE 14 puntos

VIAJE A DARJEELING 14 puntos

REC 13 puntos

ELECTION 10 puntos

CHE, EL ARGENTINO 9 puntos

UNA GUERRA DE PELICULA, NO TE METAS CON ZOHAN, SHINE A LIGHT, CLIMAS, LA NIEBLA 8 puntos

LEJOS DE ELLA, PROPIEDAD PRIVADA, ANTES QUE EL DIABLO SEPA QUE ESTAS MUERTO, PLANET TERROR, QUEMESE ANTES DE LEERSE 7 puntos

LOS DUEÑOS DE LA NOCHE, MI HERMANO ES HIJO UNICO, METEORO, NUEVO MUNDO, LA PERRERA 6 puntos

Los magníficos 10

2008-12-19T16:04:00.004-02:00

Después de mucho hacerse rogar Perez, resignado, le da el gusto a los miles de lectores que querían conocer su balance cinematográfico del año, inexorablemente en forma de top ten ("es así...es la era del videoclip", dice P.)

Pero no todas son buenas nuevas: Perez renuncia a incluir en el balance a las películas estrenadas en formato 35mm ("una antigüedad, dejémosle eso a los mejores estrenos del año...1973") dando lugar sólo para aquellas proyectadas desde un DVD ("la edad de piedra del cine digital es preferible a la moderna del cine analógico!" vocifera P., y la pipa se le cae de la boca).

Munido de su impecable Parker Vacumatic, Perez anota:

1. Naturaleza Muerta

2. La Nube Errante

3. Climas

4. Election 2

5. Election

6. Paranoid Park

7. El Corazón es engañoso por sobre todas las cosas

8. Offside

9. La soledad

10. Aaltra

Santo celuloide

2008-12-16T01:55:00.003-02:00

Hace unos días me crucé con el amigo Burman y lo felicité con bastante atraso por el premio que la Iglesia le había otorgado en el último Festival de Venecia. La verdad es que todo era un truco para mostrarle a mi mujer que yo también conozco a gente célebre y tratar de atenuar aunque sea indirectamente la acotada estima que mi suegra tiene de mi (objetivo que no logré cumplir del todo).

Después del encuentro me quedé pensando en el cine y en la Santa Iglesia Católica, Apostólica y Romana. Pensé que los hermanos Lumière habían tenido mucho tino en inventarlo a fines del siglo XIX y no cuatrocientos años antes, en la pintoresca época de Torquemada por ejemplo, ya que eso hubiera complicado la entrega de premios cinematográficos por parte del Vaticano, más propenso por aquellos tiempos a incinerar herejes que a felicitar directores.

Tampoco hubiera sido fácil si los famosos hermanos hubieran lanzado su invento unos dos mil años antes y hubieran logrado filmar al Mesias. Eso hubiera generado todo tipo de controversias. Una parte de la cristiandad hubiera sostenido que el celuloide de esa sagrada filmación contenía algo de la propia divinidad mientras otra parte lo hubiera negado rotundamente. El revelado de la cinta hubiera formado parte de la Revelación y los laboratorios se hubieran transformado en centros de peregrinación. No hubiera habido tampoco tiempo para que su Santidad, mientras incineraba a unos y canonizaba a otros, entregara ningún tipo de premio cinematográfico.

Pensé finalmente que el timing de los hermanos Lumière fue increiblemente acertado.

Cabeza de León

2008-12-09T17:13:00.003-02:00

La malaria de los últimos fines de semana llegó a su fin. Después de varios juevesadomingo de 200, 250 mil espectadores (algo así como el 50% de lo normal), ayer cerró el fin de semana con más de 600 mil tickets vendidos.

Algún aguafiestas dirá que se trata de un fin de semana largo, o que ante la ola de calor La Gente corrió desesperada hasta encontrar un aire acondicionado, incluso un aire acondicionado frente a una proyeccion de El Juego del Miedo 5...pero no, el fenómeno tiene otra explicación, mucho más contundente, y se llama Madagascar 2.

La película de los animales de zoológico perdidos en la selva estrenó con 104 copias y vendió, en 5 días,en todo el país, 430.000 entradas, el doble que todas las demás películas juntas (solamente la copia en IMAX hizo más de 7000 personas, algo que muchas películas pequeñas quisieran lograr al final de varias semanas de recorrido). Este promedio debe establecer algún tipo de récord en nuestro negocio, en el peor momento del que incluso Rinconete tenga memoria. Se trata evidentemente de un caso excepcional, sin el cual el espantoso promedio de asistencia a las salas seguiría más o menos igual que hasta la semana pasada.

Todo parece indicar que el 2008 se va sin pena para 4 o 5 películas (Kung Fu Panda, Cornicas de Narnia, Batman, Muerte en un Funeral, Un novio para mi mujer...), y sin gloria para todas las demás estrenadas.

Amorosa Soledad

2008-12-05T12:51:00.011-02:00

Ayer finalizó en la Alianza Francesa el ciclo El Independiente, organizado por nuestros amigos de HC. Allí vimos, en una función privada exclusiva para 791 y unos 200 colados más, Amorosa Soledad, opera prima de Martín Carranza y Victoria Galardi.

El cine nacional suele batallar entre la densidad del mercurio y la del telgopor. Padecemos obras profundas que nos agobian con urgencias, certezas, denuncias y toda clase de calamidades y películas livianas de encefalograma chato, con refritos televisivos y una creatividad que no supera el nivel de los textos impresos en los sobrecitos de azúcar.

Lejos de estas dos maldiciones, Carranza y Galardi han logrado una muy buena comedia romántica (cine de género, como dirían los críticos). Inés Efrón, la Soledad en cuestión, liberada de la densidad sofocante que se le imponía en XXY, brilla y lleva con gracia su personaje lunar. Éste bordea la línea amarilla sin cruzarla, evitando el resaltado de la extravagancia de pacotilla al estilo de Mi novia Polly.

El resto del elenco la acompaña bien, en particular Fabián Vena, el gran pitufo de Labios de Churrasco. En sus treinta segundos estelares, Ricardo Darín logró el milagro de brillar con luz propia, encantar nuevamente a mi mujer y generar una gran empatía con su otra vez hija Efrón. En lo que respecta a Nicolás Pauls, es realmente muy lindo y casi no aparece, dos ventajas que se potencian.

Hay algunas coincidencias con otras comedias también producidas por Rizoma, aunque Amorosa Soledad no parece buscar a toda costa el costado cómico ni la empatía con el público, aunque la encuentra, sino que prefiere transitar un camino probablemente más sutil.

Recomiendo además la banda musical, en particular la versión de Karma Chameleon de Loli Molina.

Historias extraordinarias

2008-12-01T12:13:00.005-02:00

El cine de Llinás es el fruto de una biblioteca. O más bien, de un autor: el director
leyó apasionadamente a Borges y a través de él conoció el placer de la ficción.
Borges inventaba libros con el único fin de poder reseñarlos mientras que Llinás
inventa realidades solamente para poder filmarlas.

Historias extraordinarias es una gran película que mezcla sin ningún tipo de respeto, relatos, documentales, biografías más o menos falsas, eventos inventados o fabulosos personajes como el arquitecto Salamone. Una voz en off nos va guiando en el laberinto de historias y personajes, adelantandose incluso a lo que sucederá.

Como en Balnearios o en Opus, una cierta melancolía irónica sobrevuela el relato, que hace surgir lo extraordinario entre el aparente tedio de las situaciones más banales. Detrás de una repisa llena de biblioratos viejos, en medio de una reunión de agrimensores o en un hotel de provincia. Desde la primer escena quedamos atrapados por el misterio enunciado que luego será ampliado por muchos más, desarrollados a lo largo de las 4 horas de duración.

El capítulo referido a la segunda guerra mundial, el más extraordinario, es paradójicamente el más débil aunque no logra atenuar el placer de ver una película de aventuras, generosa y desprovista del cinismo de la segunda lectura.

El cine de Llinás podría perfectamente suscribir al Decálogo del Perro. Lo
único que importa es filmar y contar una historia.

Y el resto es literatura, como decía Borges que decía Verlaine.

Pernoctando en Mar del Plata

2008-11-18T17:19:00.002-02:00

El documental dirigido por Hernán Khourian, Sebastián Martinez, Diego Carabelli y Angeles Casares, y producido por 791cine y la Universidad del Cine, fué seleccionado para la Competencia Argentina del 23° Festival Internacional de Cine de Mar del Plata.

Durante el Festival la película se proyectó en 3 ocasiones, y tuvo de parte de la prensa las siguientes críticas:

"Otro proyecto experimental, aunque de otro estilo, es el de Los pernoctantes, de cuatro directores (Khourian, Martínez, Carabelli, Casares). Documental de observación, toma como tema a cuatro marginales porteños que viven en la calle, víctimas de la miseria, el desamparo y la psicosis. Aunque la película dura apenas una hora, resultó muy árida de ver. En buena medida por la mala proyección en video, pero también porque el tema es realmente molesto y los cineastas no hacen ningún esfuerzo por convertir a sus protagonistas en más simpáticos o más atractivos de lo que son. En esa actitud sin concesiones reside justamente el rigor de la propuesta, su desafío y su capacidad de denuncia. Khourian y sus colegas muestran lo que nadie parece estar dispuesto a mirar, a esos seres invisibles y sin voz de las calles. Y en ese sentido, su trabajo es impecable. La película está muy bien filmada, los planos están elegidos cuidadosamente y los encuadres brillan a veces por su perfección mientras que la captura del sonido es de una eficacia singular. Sin embargo, cabe preguntarse cuál es el sentido de utilizar toda la tecnología, toda la racionalidad y la capacidad de producir belleza del cine al servicio de la fealdad y la sordidez de su tema. Una película como Los pernoctantes ¿no debería inhibirse de toda coquetería a la hora de filmar? ¿No debería ser tan austera como la dieta de sus protagonistas? ¿No debería mostrar, digamos, cierta modestia? Ya que la película nos hace comer arena en el contenido, ¿no debería hacerlo también en la forma? No sé la respuesta, pero hay algo que me perturba de esta película por otra parte impecable." Quintín. La Lectora Provisoria

"Resultó muy interesante la experiencia de ver, con muy pocas horas de diferencia, dos documentales de la Competencia Argentina que se ocupan de describir con diferentes herramientas (todas respetables y válidas) la intimidad de aquellos marginados que el ciudadano común suele evitar, soslayar, discriminar hasta convertirlos casi en seres invisibles.

Sin entrar en comparaciones odiosas (e injustas) y sin tratar de ser salomónico, debo decir que la pasé mejor viendo Parador Retiro, pero me parece que Los pernoctantes es un film más sólido, riguroso y, en definitiva, valioso dentro del panorama del documental local.

Los pernoctantes apuesta a la cámara casi siempre fija, con la mínima intervención posible, para describir distintos retazos de vida de varios homeless de la ciudad de Buenos Aires. Son casos extremos, casi irrecuperables, personas a las que la pobreza, la marginación y la falta de un techo los ha convertido en verdaderos fantasmas. Seres al borde de la locura. Los directores los muestran en toda su degradación física y mental, pero con gran pudor, sin golpes de efecto, subrayados ni comentarios de ningún tipo. Están allí expuestos con crudeza en su intimidad, en su triste cotidianeidad, en sus penosas rutinas." Diego Batlle. Otroscines.com

" Ejemplo de esa sobrevaloración desdramatizadora es Los pernoctantes, uno de los cinco documentales que presenta la Competencia Argentina del FicMdP. Producto de un concurso convocado por la Universidad del Cine y la distribuidora cinematográfica 791, el realizador Hernán Khourian (que, además de docente de la Fuc, cuenta con una larga experiencia en lo que se conoce como “documental de observación”) convocó a otros tres directores (uno de ellos, Sebastián Martínez, de quien un par de temporadas atrás se había estrenado la muy interesante road movie documental París-Marsella), con la premisa de salir a filmar a un puñado de personas sin techo de la ciudad de Buenos Aires: los pernoctantes del título. Si en algo se apoya el documental de observación es en el principio de no intervención. Colocadas frente a media docena de habitantes callejeros, a lo largo de una hora las cámaras de Khourian-Martínez-Carabelli-Casares se limitan a impresionar rostros, cuerpos, eventualmente voces sobre la cinta digital, encuadrando también –siempre de modo fragmentario, como para inscribirlos en un entorno más visual que dramático– detalles del ambiente en que viven.

Producto de esa férrea fijación de límites, se llega al final de Los pernoctantes con una sensación de privación, sin llegar a conocer a la señora que discursea sobre sus enfermedades imaginarias, fantasmales conspiraciones médicas y “esos yanquis hijos de puta”. O saber algo más sobre la afectuosa relación con su perro Beethoven. O sobre el vínculo entre una señora rubia, bonita y alcohólica y la mujer desdentada a la que llama “mi mamá de la calle”. ¿Documental de observación o de privación?" Horacio Bernades. Página/12

Más información en www.791cine.com/peliculas/pernoctantes/concurso.shtml

El corazón de Asia

2008-11-13T13:37:00.005-02:00

Es una práctica habitual entre los vendedores de películas tratar de armar lo que se conoce como "paquetes", un rejunte de películas donde hay algunas que al distribuidor le interesan mucho junto a otras que al distribuidor no le interesan nada, pero que son condición para hacerse de las primeras. En una de nuestras primeras compras, tuvimos que comprar la inposible "Grimm" (una película holandesa protagonizada por Ulises Dumont (en serio)) para poder comprar "Capturando a los Friedman" y "Dumplings".

A fines del 2006 empezamos a negociar un grupo de películas que incluía "La Nube Errante", "Café Lumiere" y "Reyes y Reina" entre otras. En ese grupo de 8 películas elegidas una (animación de Miyazake) no pudo entrar porque aparentemente los estudios Gibli, productores de la película, no tenían intención de vender nada del material de catálogo. Alarmados por la posibilidad de caer en otra Trampa Grimm, acudimos al consejo experto del amigo M., quien después de sesudos análisis nos recomendó, para completar el paquete, una película sobre una madre prostituta y drogadicta que abusa de su hijo. De inmediato supimos que se trataba de material 791, aunque dudamos cuando nos enteramos que la película era protagonizada y dirigida por la magnética Asia Argento, capaz entre otras proezas de sostener una película desabrida como Boarding Gate, de hacernos olvidar, en la misma película, del gomazo de Michael Madsen y, finalmente, capaz de nublarle la vista experta al amigo M.

Un año u medio más tarde estrenamos hoy "El Corazón es Engañoso por sobre todas las cosas" para comprobar, sin sorpresa, que ademas de a M y a nosotros, Asia había hechizado a:

Diego Brodersen

Diego Lerer

Luciano Monteagudo

Leonardo D´Esposito

y hasta al experimentado Adolfo Martinez

Incluyendo un reparto inesperado (Peter Fonda y Marilyn Manson, Winona Ryder y Ornella Mutti) "El Corazón es Engañoso..." se proyecta partir de hoy, en Arteplex Belgrano y Arteplex Centro.

Sandokán al ataque

2008-11-07T11:34:00.008-02:00

Mi hijo exije cada noche el mismo cuento. En realidad no es exactamente el mismo, sino una variante del mismo. El éxito de mi misión depende de un equilibrio inestable: la combinación de una matriz mil veces repetida con algunos, pocos, detalles nuevos. Los personajes principales no deben ser cambiados, los nuevos no pueden escapar a su condición de decorado y el final del relato se conoce aún antes de ser iniciado.

Con la saga del Comandante, como con las de Sandokán o Indiana Jones, ocurre algo parecido. Nadie recuerda el nombre de sus directores pero todos exijimos que la historia y nuestro héroe sean los mismos. El placer de ver a Bond depende de la misma alquimia que festeja mi hijo.

Así como Casino Royal no me gustó, Quantum of Solace realmente me impactó. Pero no estoy seguro de que eso sea una buena noticia. Como señala Luciano Monteagudo, este nuevo Bond algo anabólico (aunque menos inflado que en la anterior entrega) no cumple del todo con las cualidades del agente triple 0, por definición refinado, distante y ligeramente autoparódico.

En la era Daniel Craig la adrenalina y la violencia del montaje reemplazan, creo, aquellas características. Nuestro Comandante, educado en Eton, tiende a parecerse cada vez más al indestructible John McClane o, peor, al sicótico Jack Bauer.

Tenemos que conversar con M.

Los hermanos entomólogos

2008-11-06T14:45:00.011-02:00

El cine de los hermanos Coen es un gran tratado de entomología humana. Los personajes-insectos desfilan en cada una de sus películas sin que sus defectos ni sus desgracias arrastradas logren conmover a sus creadores. Por lo general es inútil buscar ternura en su mirada.

Más allá del género elegido, thriller, policial, comedia o viaje iniciático, sus películas son ante todo placeres solitarios. No pareciera haber otro motor que el de mirar las miserias humanas detrás de un vidrio, sin más empatía por las historias o los personajes que la que nos puede producir la vista de un hormiguero.

En Quemese después de leerse, su última película, hay sin embargo algo diferente. No es el guión, de relojería, redondo como el de De Paseo Por La Muerte, ni tampoco la increíble dirección de actores (no hay uno solo que esté mal, empezando por la gloriosa Frances McDormand), cualidades que ya son una marca de fábrica de los hermanos Cohen.

Lo diferente, creo, está en la mirada de entomólogos. Pese al vidrio que los separa y a la distancia higiénica que sus creadores tratan de imponer, los insectos logran esta vez conmoverlos. Y al hacerlo, dejan un poco de serlo.

Frente a la enorme inseguridad que la crisis impone sobre las inversiones, propongo un gran negocio: comprar una entrada de cine para ver la mejor comedia de los últimos tiempos.