Depredadores

El budismo profesa una cierta clase de conocimiento intuitivo, contrario al conocimiento racional. Sostiene que la paz interior, objetivo último de nuestra vida, no se debe buscar a través de la acumulación de conocimiento sino de un tipo de percepción que puede ser incluso inmediata. Quien tiene la suerte de vivir ese instante de claridad, vislumbra el sentido de todo, o tal vez entiende que nada lo tiene.

La Doctrina Pérez, una de las tantas variantes del budismo original, defiende la autonomía de la crítica cinematográfica por sobre la propia película. Según el Maestro de Luz Pérez, la película es solo un residuo material que no debe contaminar la inspiración intuitiva, casi divina, de la crítica.

En honor a esa doctrina de salvación, decidí escribir sobre Depredadores, que nunca vi. Como soy novato en esto, no pude hacer completa abstracción del residuo material de la propia película, como recomienda el Patriarca, sino que miré el afiche para buscar alguna inspiración.

Depredadores es una película de Nimród Antal, joven director de películas menores con un cierto espíritu indie que sedujeron a Robert Rodriguez, productor de Depredadores, y lo convencieron de la capacidad del director en llevar adelante el tono intenso aunque levemente cínico de este remake de remake.

La primer Gran Idea del guión consiste en un truco especular: desplazar a otro planeta al grupo de duros y aguerridos combatientes que en la primera película secundaban al actual gobernador de California en la búsqueda del depredador original y terminaban transformados en keppe crudo. La segunda Gran Idea del guión consiste a reemplazar al actual gobernador de California por Adrien Brody, poco conocido hasta ahora por sus dotes de bodybuilder. Brody contrató a un famoso especialista en pectorales y convivió durante seis meses junto a un grupo de depredadores reales en un planeta lejano, para ¨encontrar la psicología de mi personaje¨, según lo que le señaló a Chiquita Legrand en uno de sus clásicos almuerzos. En esa oportunidad además de aclarar que aceptó el desafío porque el guión lo había realmente impactado, desmintió que el arma que lleva en el afiche haya sido adquirida en la juguetería Cebra, de Lacroze y Forest.

Los diálogos son filosos y hay varias perlas que quedarán en el recuerdo, aunque no recuerdo ninguna en este momento. La incorporación de una mujer en el equipo aporta intercambios potentes entre los personajes e incluso situaciones inesperadas como cuando uno de los más duros es salvado por la chica en cuestión, o al revés. Los efectos especiales son impresionantes y las escenas de acción, en medio de una selva de un planeta lejano bastante parecida a la del primer Depredador que ocurría en centroamerica, son trepidantes. Tal vez para Hollywood, centroamérica sea otro plantea.

El productor Rodriguez encuentra el tono justo, entre Sábados de Superacción y videojuego, espolvoreado con guiños astutos al espectador.

Es, creo, una película para toda la familia.

El Origen

La última película de Christopher Nolan, el director de Memento y de la excelente The Dark Knight, es una cruza entre La invención de Morel y Bourne.

El protagonista, interpretado por un intenso Leonardo Di Caprio, es un arquitecto experto en sueños. Domina el extraño arte de la creación de realidades paralelas y puede incluso inocular en sus víctimas ideas que pueden llegar a destruirlas (algo que en el fondo no difiere mucho de lo que hace la mayoría de sus colegas arquitectos).

La trama es atractiva aunque el miedo a que alguien no logre entender el argumento en toda su complejidad parece empujar a los personajes a explicar en exceso cada una de sus acciones. Es una lástima ya que, cuando de sueños se trata, no es necesario (ni siquiera aconsejable) entender todo lo que está sucediendo.

Como en Memento, Nolan parece caer en la fascinación de relojería de su propia trama y dejar de lado la historia y sus personajes. Las escenas de acción, a la par de cualquier Bourne, no ayudan a encontrar esa humanidad que falta sino que, creo, son solo agotadoras.

La aparición del gran Michael Caine y un buen final no logran salvar una película lamentablemente fallida.


PS: Con respecto a la imagen que desborda, juro que seguí las indicaciones del amigo Galois pero esta vez la tecnología no me sonrió.

Nanni

Anoche un amigo comentó que acababa de ver en Italia el último estreno de Nanni Moretti.

La noticia me generó una inmediata felicidad, que conservé aún después de averiguar que era un error. Su próxima película no estará terminada antes del 2011.

La felicidad es demasiado importante como para dejar que la realidad la perturbe. Y si no, siempre tendremos a la Mangano.

Por tu culpa

En una de las primeras escenas de Un día muy particular, de Ettore Scola, director que solía hacer películas buenas, Sofía Loren prepara el desayuno antes que su familia vaya al alegre encuentro entre Mussolini y el Fuhrer. Sola en el departamento, hastiada, se sienta en la mesa y metódicamente llena una taza con los restos de café de las otras. Y se lo toma.

Recordé ese gesto perfecto al ver Por tu culpa, la última película de Anahí Berneri. En una de las primeras escenas, Julieta, una joven recién separada y con dos hijos, intenta terminar un trabajo urgente. Es tarde y los chicos juegan, exigen, se pelean, miran la tele. Después de decirles que no, que ya comieron demasiados, la madre les da otro yogur más. Cada vez que abre un nuevo pote, pasa la lengua por la tapa. Come ese yogur que no quiere, como la Loren tomaba el café de otro. Las dos colapsan, aunque no parecen saberlo, y lo muestran con un gesto mínimo.

El golpe aparentemente sin importancia de uno de los chicos hace que los tres terminen pasando la noche en la guardia. Berneri y Erica Rivas, que interpreta a Julieta, no buscan resaltar esa vida en la que ella ya no hace pie, solo filmarla. El resultado es un trhiller doméstico, en el que esperamos lo peor detrás de cada gesto banal y en el que no sabemos si compadecer a la madre o acusarla, como hacen todos los hombres que la rodean.

Es en esa tensión que la película encuentra el tono justo.

Las Hierbas Salvajes

Para castigarme por haberle aconsejado una obra de teatro, actividad que le está reservada, perez sostuvo que si bien la obra lo había divertido, no le había gustado. Que se trataba de una sucesión de escenas graciosas a las que le faltaba un nudo potente. Para no contradecirlo, lo que suele generarle primero acidez estomacal y luego violencia doméstica, le dije que tenía razón. Pero estoy convencido de que esa obra tiene el condimento sin el cual las otras virtudes se disuelven como el electorado de Elisa Carrió, es decir rápidamente. Ese condimento es la gracia.

Alain Resnais es justamente un virtuoso de la gracia. Sus películas nos pueden gustar más o menos, podemos padecer o gozar de sus artificios pero difícilmente podamos negarle aquel talento. En Las Hierbas Salvajes el director de 88 años elige la liviandad de la gracia, lo que le permite filmar lo inverosímil con total libertad y sin atarse a ningún canon predeterminado. No sabemos si lo que ocurre, ocurre realmente o si son fantasías de los personajes. Hay elementos que faltan en el rompecabezas, un pasado violento que no llegamos a comprender, diálogos que no percibimos.

Como escribe el amigo Monteagudo: La cámara de Resnais, cada vez más libre, hace un poco lo mismo (que las hierbas salvajes). Va y viene con una fluidez asombrosa y en alguna ocasión incluso parece cobrar vida propia y se libera del yugo de tener que someterse a los dictados de la narración. Hay una escena en la que, como si se aburriera de las disquisiciones de sus personajes, la cámara los abandona discretamente, como quien deja un cuarto en puntas de pie y va a buscar su propio campo de interés, vagando por la sala y registrando detalles que hacen a la vida cotidiana de esa gente, pero que son mucho más divertidos o reveladores que ese parloteo insustancial que se sigue desarrollando, ahora lejano, en el comedor.

Es cierto también que el desprejuicio y la libertad pueden tener su costo, como los insultos furiosos que escuché a la salida del cine. Pero eso es otra historia.

Nadie es perfecto

Matrimonio gay, igualitario o satánico: El gran Billy Wilder también votó a favor.

Donde Viven los Monstruos

De chico una vez le pregunté a mi padre si la edición de los Cuentos de la Selva que yo estaba leyendo era para chicos o si en realidad se trataba de un libro escrito para los chicos por el propio autor. Mi padre desvió un instante la vista de su libro, me dijo ¨compralo¨, y siguió leyendo. No me quedó claro qué era lo que debía comprar, si al propio Quiroga o alguna nueva edición de los Cuentos, pero comprendí que el mundo infantil suele ser una lengua extranjera para los adultos.

Esa ignorancia o mejor dicho ese olvido, transforma muchos libros para chicos en manuales de buenas intenciones, más preocupados por educar al lector que por hacerlo gozar.

No es el caso por suerte de Where The Wild Things Are, obra maestra de los cuentos infantiles que el extraño Maurice Sendak escribió e ilustró en 1963, cuando los padres de perez aún no habían nacido.

Spike Jonze, el también extraño director de Being John Malkovich, transformó ese cuento minúsculo y perfecto en una película brillante.

Como en los films de Pixar, el paso del tiempo es el tema central de la obra y como la troupe del gran Lasseter, la banda de Jonze el dilettante parece sentirlo tanto como el pequeño Max, personaje principal del cuento-película.

La melancolía desborda en cada plano y en cada diálogo ayudada por una excelente banda sonora y por la maternal Catherine Keener, la madonna del cine más o menos indie norteamericano.


Por supuesto, una gran película merece una gran salida. Por eso Donde Viven los Monstruos salió directo a video.

No dejen de alquilarla.



Nota: Gracias a la ayuda del amigo Galois pude disciplinar a youtube y lograr que la imagen no desborde por los lados. Solo me falta colocar un enchufe en casa para sentirme digno de Mecánica Popular.