A las cinco de la tarde

Así como el cine iraní ocupa un lugar notable en la cinematografía mundial, la familia Makhmalbaf ocupa un lugar notable en el cine iraní. Bajo el ala protectora de Mohsen, el padre (director entre otras muchas películas de Kandahar)se ha ido desarrollando una especie de Universidad del Cine, familiar y en clave persa. El mandato paterno parece ser en este caso el inverso al acostumbrado: no se toleran entre los Makhmalbaf médicos, abogados o contadores. Solo cineastas. Como la increíblemente joven Hana (directora de la aclamada Buda explotó por vergüenza), que presentó su primer corto en Locarno a los 9 años .

Su hermana mayor Samira, una mujer madura de 27 años, es probablemente la cineasta más interesante de la nueva generación del cine iraní. Directora de La Manzana y Pizarrones, participó en la película colectiva 11'09''01 - September 11. En este último caso las malas lenguas sostienen que salvo su corto y el de Sean Penn, el resto era olvidable.

A las cinco de la tarde, su tercer largometraje inspirado en un relato de su padre, describe la historia de Noqreh, una joven afgana que, se rebela contra la tradición y contra su padre. Rodada poco despues de la caída del régimen talibán, entre los escombros de una sociedad devastada y sorprendentemente viva, la película ilustra, como señala Diego Battle, la terrible contradicción entre tradición y modernidad. No se trata, en este caso, de discursos teóricos alrededor de una mesa de café sino del tenue límite que separa la vida de la muerte. El tono varía de la liviandad inicial no desprovista de ternura hacia una mirada más lúgubre al final del relato. Es posible que la directora no logre tomar distancia de la historia que filma, pero es algo que finalmente agradecemos.

La escena del éxodo final es una de las mejores que recuerde.

Recomiendo la crítica de Diego Battle en La Nación.

Facundo

El último número de Haciendo Cine incluye un dossier sobre la espinosa relación entre el cine y la literatura. Entre los comentarios de cineastas sobre esa espinosa relación, me sorprendió el de Matías Piñeiro, joven director de la muy interesante El hombre robado. Piñeiro elude el tema en cuestión (mejor o peor adaptación) y afirma que el clásico de John Ford Un tiro en la noche (The Man Who Shot Liberty Valance) es la película que Sarmiento hubiera filmado de haber tomado la precaución de vivir en el siglo XX ( y haber sido director de cine, además de periodista, escritor, maestro y presidente).

Lo interesante es que el comentario, además de sorprendente, es justo. El tema de Un tiro en la noche es el del Facundo de Sarmiento: El dilema de la creación de civilización. Pese a que Ford con este western tardío (1962) empieza a dudar sobre los medios de esa creación, como Sarmiento, no duda en su legitimidad final. La película relata la historia de un joven abogado (excelente James Steward) que llega a un pueblo dominado por el bárbaro Liberty Valance (excelente Lee Marvin) que tiene un cierto contrapeso en la figura interpretada por John Wayne, un bárbaro que a diferencia de Valance intuye los beneficios de la civilización o simplemente prevé su inevitable victoria.

El necesario enfrentamiento entre el abogado y el bárbaro deberá ser resuelto en los únicos términos aceptados, que son justamente aquellos que el bárbaro domina y que el universitario rechaza: el duelo a muerte. Sorpresivamente es Steward quien mata a Marvin y esa victoria abre la puerta al Progreso que vendrá después. Hacia el final de la película, cuando han pasado muchos años del enfrentamiento y el pueblo se transformó en una ciudad pujante y Steward en un político envejecido, nos enteramos que fue en realidad Wayne quien mató a Marvin.

La civilización nace entonces de un crimen y de una mentira. Un alto precio que Sarmiento, con más ahínco que Ford, no hubiera dudado en pagar.

Musica Nocturna

Dirección: Rafael Filipelli

Guión: David Oubiña Y Rafael Filipelli

Protagonistas: Enrique Piñeyro, Silvia Arazi y Horacio Acosta

Caundo el jueves consulté las críticas de los estrenos cinematográficos me quedé muy sorprendido por las críticas de esta película, sobreetodo la del diario La Nación. Asi fue como por la noche corrí raudamente al espantoso shoping Abasto y luego de vagar perdido como siempre 45 minutos ingresé a una sala del Hoyts a ver esta supuesta maravilla. A los quince minutos de comenzada la película me di cuenta que había cometido un error. Ya me imaginaba todo lo que iba a suceder, como se iba a resolver la trama, como la pareja que no logra cominicarse lo hacen a su manera, como se iban a ir desenmascarando las frustaciones, en fin, era como si la película ya la hubiera visto.

Las actuaciones son francamente malas, la fotografía prolija pero aburrida y la música de Adrián Iaies es lo que uno espera en semejante situación. La escena del bar donde el wisky se mezcla con la sabiduría porteña da miedo.

Cuando finaliza el film, tal vez la parte más atractiva de todo el desarrollo, uno comprende lo que ya había comprendido desde el principio.

No es otra seria película argentina

En medio de la lluvia de estrenos, nacionales y no, pero casi todos independientes, de autor, buenos y malos, todos todos entre septiembre y diciembre, aparece UPA!, la película ganadora del último Bafici, alabada y cuestionada por muchos, pero definitivamente diferente del resto de las películas made in Argentina, un rara avis dentro de la producción nacional de los últimos años (producción nacional sin la cual, por otra parte, UPA! nunca hubiera sido posible).

Más allá de la liviandad que levanta la película como bandera y logra fascinar a una parte del público, y que otra parte (en muchos casos los mismos protagonistas de la industria (?) de cine nacional aludida en UPA!) denosta o desprecia acusándola de una falta de seriedad como contrapropuesta al cine "solemne" (lo que como critica suena algo contradictoria) su carácter de película original, diferente, alternativa a una producción anual de más de 50 títulos hace que sea imprescindible verla aún para odiarla. Lo que diríamos: un típico título sietenueveunezco.

Para internarse en los laberintos de la polémica y los detalles de esta nueva creación colectiva del cine joven argentino (un producto FUC como Balnearios, la también colectiva El Amor (primera parte), o la reciente El Hombre Robado) dense una vuelta por:

www.719cine.com/upa
www.upacine.com.ar
www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/espectaculos/5-6017-2007-04-14.html
www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/espectaculos/5-6017-2007-04-14.html

Se nos viene la noche

Atención. Según una nota aparecida en otroscines.com, una carta de la DAC (asociación de los directores de cine) denuncia que en el Cine Nacional estaría Todo Mal. En principio esto no sería una gran noticia, todos conocemos o sospechamos como funciona la industria de cine nacional, la calidad de sus productos, la respuesta del público, y somos comprensivos con los magros resultados dentro del contexto Realidad Argentina, Identidad Nacional, No Aprendemos Más, etc... A los amantes del cine, fuera de la preocupación de ser amantes del cine argentinos, nos aliviaba un tanto pensar que en otras latitudes esto no era tan grave y que, si al cine argentino le llega la hora, nos quedarían siempre las otras 5.000 películas que se producen por año en naciones más prósperas, organizadas, serias, etc...pero...

Según una nota aparecida hoy en La Nación, la industria cinematográfica más poderosa del mundo da pérdidas (aparentemente todos los millones de las entradas, los gorro bandera y vincha y los muñequitos articulados de las películas se la llevan Tom Cruise, Steven Segal y el resto de las fulgurantes estrellas de Hollywood, mientras que los estudios se la ven en figurillas para pagar los aguinaldos de fin de año, las cuentas de teléfono, internet, y todos esos gastos que al principio parece que no pero que al final te matan).

Este es el desolador panorama del cine mundial, y eso sin contar al más famoso de los enemigos de la industria (sí, la piratería). ¿Qué vamos a ver dentro de unos años? ¿Dónde lo vamos a ver? ¿Será el momento de volver al teatro, los cómics o, peor aún, los libros? Un oscuro horizonte se cierne sobre nosotros, amigos...

Paraiso

Paraíso, del colombiano Felipe Guerrero, es un film hipnótico.

Es también un documental sobre Colombia que incluye varios de sus tópicos más terribles, como el narcotráfico, los paramilitares o Botero. El relato, una especie de patchwork de imágenes propias y de archivo, prescinde del diálogo y prefiere cederle el protagonismo a la música, al sonido y a unos extraños poemas de Jotamario Arbelaez leídos por otro poeta, Jaime Jaramillo Escobar. Ambos representantes del confidencial Nadaísmo colombiano, movimiento poético, social, filosófico y sin duda irónico.

El resultado es extremo y a la vez claro. No apuesta por una narración o un ritmo convencionales sino más bien por un lenguaje más relacionado con la intuición o con el sueño. En el texto que escribimos sobre Opus, mencionamos que los documentales, digamos, sociales nos suelen agobiar con urgencias, certezas, denuncias y toda clase de calamidades.

Por razones muy diferentes Paraíso, como Opus, escapa a esa maldición y logra proponernos un film luminoso.


www.paraisofilm.blogspot.com

Gracias, gracias, muchas gracias

En su crítica de hoy Luciano Monteagudo le agradece a la Quincena de Realizadores de Cannes el descubrimiento de una película como BE WITH ME. Entre el día en que la película se dió a conocer al público mundial como parte de la programación de la que posiblemente sea la sección más interesante del festival más prestigioso del mundo y el día de hoy, en que BE WITH ME se da a conocer al público argentino, se dieron otros descubrimientos (o re-descubrimientos) que también merecen ser agradecidos y sin los cuales el espacio para la crítica en Página/12, y el consecuente agradecimiento al festival francés, no hubieran sido posibles.

Quisiéramos agradecer a los programadores del Festival de Mar del Plata, que trajeron la película a nuestro país, y nos permitieron verla. Los pequeños distribuidores independientes no podemos costearnos un viaje a cada festival, especialmente al oneroso Cannes. De no ser por nuestro hoy incierto Festival costero, este precioso exponente del cine oriental no hubiera podido ser nunca la (si los cálculos no me fallan) primer película de Singapur que haya estrenado jamás en nuestras carteleras.

La película, claro, nos gustó mucho aquella tarde en Mar del Plata. Historias sencillas sobre el amor, hilvanadas por la biografía de una mujer notable y su propia historia de amor, una mezcla delicada entre documental y ficción, la bella fotografía a la que nos tienen acostumbradas muchas películas orientales, muchos silencios, mucha comida y melancolía en cantidades industriales. Sin embargo, por alguna razón, pasadas algunas semanas de esa proyección la película se perdió en alguna pila de DVDs o alguna lista de Películas Interesantes, entre otras, y sin querer nos olvidamos de ella hasta que entró en acción Mr. Horacio Bernades, también crítico de P/12, y entre muchas otras sugerencias de cine y no, nos habló de BE WITH ME. Gracias Horacio, entonces, sin vos esto tampoco hubiera sido posible.

El hecho de que nos haya gustado, la hayamos comprado, y la estemos estrenando, es al lado de estos otros posiblemente un descubrimiento menor, y aunque tuviese algún valor, quedaría un poco feo agradecernos a nosotros mismos...

pd: acompañando su crítica de hoy, L. Monteagudo suma una breve e interesante entrevista al director de BWM, Eric Khoo.

pd2: otras críticas: Clarín, La Nación, Otroscines, Leer Cine, etc...

Viejos verdes

Más o menos al mismo tiempo, un par de viejos verdes decidieron dar una clase magistral de cine: El joven Manoel de Oliveira (clase ´08) con Belle toujours y Jacques Rivette (un adolescente del ´28) con Ne touchez pas a la hache.

Belle toujours es la continuación de la icónica Belle de jour, de Buñuel. Oliveira imagina el reencuentro crepuscular de los amantes Henry y Séverine (el monumental Michel Piccoli que parece gozar con cada toma y Bulle Ogier que reemplaza con talento a la Deneuve original) transformándose así en el iconoclasta del iconoclasta. Los sueños de cada uno de los protagonistas se disolvieron con los años pero extrañamente no hay melancolía, sino una rara plenitud. El film es redondo, compacto, casi perfecto. Nos cuenta la historia con una mínima cantidad de recursos. Pareciera que cuando uno llega a los 100 años, los fuegos artificiales pierden gran parte de su atractivo.

Algo parecido sucede con Ne touchez pas a la hache, la adaptación que con ínfimos recursos Rivette hizo de La Duchesse de Langeais de Balzac. Esta historia de desencuentros entre un general bonapartista y una duquesa malquerida, es a la vez un drama amoroso y una alegoría política sobre la restauración aristocrática posterior a la caída de Napoleón. Guillaume Depardieu y Jeanne Balibar, los héroes del relato, están perfectos, secundados por la misma pareja de Belle toujours, Piccoli y Ogier. Las heroínas de las dos películas, la duquesa de Langeais y Sévrine, comparten además la singular voluntad de terminar sus vidas recluídas en un convento.

Así como Oliveira no respeta a Buñuel, Rivette no le teme a Balzac, uno de los tantos monumentos literarios que los franceses adoran adorar.


El año que viene vamos a estrenar Belle toujours. No sería una mala elección estrenar también Ne touchez pas a la hache.

IND ARG

Tocar el Cielo: posiblemente la peor película que haya visto en todo el año, y una de las 5 peores que ví en mi vida. Tocar el Cielo logra lo que aún con ganas suena a improbable: hacer todo, TODO, mal. El guión, la cámara, las actuaciones, los diálogos, el montaje, todo es de una pobreza diabólica. Uno de esos ejemplos que hacen agua la boca de los denostadores del cine co-producido. La presencia del muchacho de caucho y futuro padre Facundo "tocate algo" Arana no hace más que darle a este desastre el tiro de gracia, convirtiéndolo en un verdadero infierno cinematográfico. Me dicen por aquí que al nuevo director artístico del Festival de Mar del Plata ésta le parece la mejor película argentina de los últimos tiempos. En serio.

XXY: como es costumbre, mis previsiones resultaron acertadas. Salvo por el hecho de que Carolina Peleritti nunca muestra siquiera un pecho, acerté en cada una de mis premoniciones en aquella tan fustigada Crítica de Una Película Sin Haberla Visto. Los momentos de XXY en que, aludiendo con sutileza sofovicheana a la castración, se corta primero un pepino y luego una zanahoria, bordean la comedia. Aunque al lado de Tocar el Cielo es una obra maestra, es un poco incomprensible que sea catalogada como la mejor película argentina del año (¿y si mandabamos "M" a los Oscar? ¿eh...?)

El Cielo Gira: Esta en realidad es española, pero estaría bueno que sea argentina. Más allá de la coincidencia celeste, resulta el némesis de la película de Arana. ¿Qué pasa cuando no pasa nada? Pasa el tiempo, y con el paso del tiempo la tierra tapa ciudades, pueblos, historias. La directora vuelve a su pueblo natal y con su camarita desempolva a diez viejitos increibles y los suspende para siempre, antes de que se los lleve el viento. Calificación: 8 Perez

PD: En temporada baja desaparecen los tanques americanos y asoman, para reemplazar ese apetitoso espacio libre en las pantallas, lo que podrían denominarse en el universo del armamento militar las bayonetas argentinas. Alrededor de 3.500 películas nacionales que no encontraron su lugar entre enero y septiembre salen a copar la parada antes de que estrene la primera película navideña. Tenemos entonces unos 5 estrenos nacionales por semana, una cifra salvaje para lo que está dispuesto a dar el público de primavera (que es otro distinto al público de invierno, éste de ahora viene a ser una especie de público a reglamento). El triple de estrenos para un público 3 veces más pequeño. Películas que van a ver 500 personas. El absurdo y la Cuota de Pantalla, todo junto.

PD2: encontré el trailer de TEL: http://www.ciudad.com.ar/nota.aspx?id=01384547. Veo que el slogan de la película es "Lo más parecido a la felicidad"...en fin, no se pierdan la primera escena.